Los directores y sus actores fetiches: tándems de éxito

Esta semana os traemos una entra muy divertida: el ránking de los actores que más veces han trabajado con sus directores. El tándem director-actor se ha dado muy a menudo en la historia del cine y se hereda hasta nuestros días y es que cuando hay química, hay química. Así, hemos elaborado esta pequeña clasificación sobre las parejas profesionales que mejor han funcionado o que más éxitos haya traído consigo. 

¡Disfrutadlo y no os olvidéis de comentarnos!

1. John Ford y John Wayne

A partir de 1928, John Wayne aparecería en más de 20 películas de John Ford, entre ellas La diligencia , She Wore a Yellow Ribbon , Un hombre tranquilo , The Searchers, The Wings of Eagles y El hombre que mató a Liberty Valance. Una pareja que merece el número uno.

2. Billy Wilder y Jack Lemmon

Una pareja que sin duda hizo, y hoy en día aún lo consiguen, que se nos desencaje la mandíbula a carcajada limpia. Con faldas y a lo loco, Irma la dulce, Buddy Buddy o la mítica El apartamento son auténticas obras de arte gracias a su ineludible química. Los adoramos.

3. Tim Burton y Johnny Depp:
Excentricidad y originalidad por partida doble

Con un total de ocho películas, esta pareja conforma el tándem rarito por excelencia de Hollywood. Comenzaron con Eduardo Manostijeras para llegar hasta la reciente Sombras Tenebrosas; ingenio, originalidad y excentricidad son sus señas de identidad.

4. Woody Allen y Diane Keaton

Relación fructífera

Sin duda una pareja peculiar que nos gustaría resaltar. Allen, tal vez con demasiada frecuencia ha tenido musas a la hora de trabajar y Diane Keaton ha sido la que ha brillado por serlo. Días de Radio, misterioso asesinato en Manhattan, 'A nervous romance, Tócala otra vez, Sam o Annie Hall son solo unos pocos de los títulos que han dado lugar esta fructífera pareja. Johansson, lo sentimos pero Keaton, es mucho Keaton.

5. Jean Luc-Godard y Anna Karina:

El concepto de musa personificado

Banda a parte, Vivre sa vie, o Lemy contra Alphaville, Anna Karina es la musa ineludible y símbolo de la Nouvelle Vague, esta modelo conquistó el corazón del director francés con el que estuvo casada. Sin duda uno de nuestras parejas favoritas.

6. Pedro Almodóvar y Penélope Cruz:

Éxito con sabor español

Esta pareja nunca se ha separado. Almodóvar siempre la tiene en cuenta para sus producciones, y aunque últimamente la actriz se haya internacionalizado, se lo debe todo al director manchego.

7. Joe Wright y Keira Knightley

Clase británica

El dúo británico trabaja muy a gusto y ello se refleja en la pantalla. La sensibilidad visual del director unido a la versatilidad y talento en potencia de Knightley, son los culpables de que nos dejaran films como 'Orgullo y Prejuicio', 'Expiación' o la próxima 'Ana Karerina'.

8. Ridley Scott y Russell Crowe:

Una combinación trepidante

Gladiator, Un buen año, American Gangster, Red de mentiras o la última versión de Robin Hood son el resultado de este implacable dúo.

9. Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio: 
La química italoamericana

Con 'Infiltrados' o 'El Aviador' son una muestra de que el director italoamericano se entiende con DiCaprio.

10. Los hermanos Coen y George Clooney:

Humor con personalidad

Oh Brother o Quemar después de leer son piezas que han sacado a relucir el talento los hermanos y que sin duda han constatado la faceta más divertida de George Clooney. Sin duda un reciente descubrimiento.

FRANKENWEENIE: el regreso de Tim Burton

Tim Burton vuelve a la gran pantalla (y se reencuentra consigo mismo) con una historia triste y conmovedora: Frankenweenie. Hacía tiempo que parecía que el afamado director había perdido su chispa, pues con las últimas películas -como Alicia en el País de las Maravillas o Sombras Tenebrosas- se había entregado a una serie de trabajos donde su creatividad y talento quedaban en un segundo plano. Pero con esta nueva obra de animación vemos volver de su tumba no sólo al protagonista perruno, sino al espíritu melancólico que caracteriza los trabajos de este icono del cine actual.

-          TÍTULO ORIGINAL: Frankenweenie

-          AÑO: 2012

-          DURACIÓN: 87

-          GUIÓN: John August (Historia: Tim Burton, Leonard Ripps)

-          MÚSICA: Danny Elfman

-          FOTOGRAFÍA: Peter Sorg

-          PRODUCTORA: Walt Disney Pictures/ Tim Burton Animation Co.

Con una clarísima referencia a la obra “Frankenstein” de Mary Shelley, Tim Burton nos presenta la historia de un niño introvertido e inadaptado, Victor, que no tiene más amigos que su fiel perro Sparky. El joven protagonista adora a su mascota,  y sólo se separa de él para ir al colegio. Pero una tarde sucede el trágico suceso: durante un partido de béisbol, Sparky sale persiguiendo la pelota y es atropellado por un coche. Victor tendrá que afrontar la pérdida de su mejor amigo… ¿o no?  Y es que, gracias a  la inspiración de su excéntrico profesor de ciencias, el niño encuentra la manera de traer de vuelta a su perro del mundo de los muertos. Es entonces cuando, verdaderamente, empiezan sus problemas: controlar a un perro zombie (por muy educado que esté) no es tarea fácil.

Tim Burton recupera así la historia de su cortometraje homónimo que realizó en 1984, y regresa a la  estética gótica de sus primeros trabajos: no solamente destaca sobre otras películas de animación que utilice el blanco y negro para contar su historia, sino que vuelve al tradicional “stop-motion”. Espirales interminables, grandes ojeras, sombras que acechan, personajes pálidos de ojos enormes y seres de más allá de la Laguna Estigia... todo nos indica que estamos de nuevo ante una clásica película de este director. Además, la animación y movimientos, idénticos a los de la mítica  Pesadilla Antes de Navidad, no hacen más que acentuar el sentimiento de melancolía del argumento. Además, la película está repleta de guiños al cine de terror clásico, y podemos reconocer claramente referencias a Frankenstein, La Momia, Nosferatu o incluso Godzilla y Los Gremlins. 

Sin embargo, parece que Frankenweenie dista mucho de ser una gran obra maestra: personalmente, aunque el argumento da para hacer una obra mucho más ingeniosa y capaz de asombrar al espectador, me ha parecido una película insulsa y facilona que se queda en la superficie del tema que trata. En lugar de ahondar un poco en la temática y conseguir que el espectador se identifique con los personajes, Frankenweenie se convierte en una sucesión de guiños y referencias sin sentido con una trama que empeora conforme avanza el filme. Parece que ni en EEUU ni en España ha logrado conquistar a la sala, pues cada vez es más evidente que el Burton ingenioso que nos brindó películas como Eduardo Manostijeras se ha convertido en una sombra de sí mismo y solamente ofrece ideas recicladas.

Lo Mejor:

• Algunos personajes, como el excéntrico profesor de Ciencias o la compañera de clase de Victor, que nos recuerda a una “Luna Lovegood” de pesadilla
• Animación en “Stop-Motion”. ¡Cuánto la echábamos de menos
• Cuidado diseño de los personajes y los decorados
• Guiños a películas clásicas

Lo Peor:

• Trama interesante que va perdiendo fuelle hasta hacer tediosa la película      
• No consigue entusiasmar ni que el público empalice con los personajes

Si queréis ver el cortometraje original de 1984 en el que se basa “Frankenweenie”, aquí lo tenéis. ¡Que lo disfrutéis!

Cómo entrenar a tu dragón: volando voy, volando vengo

Como sabemos que siempre hay tiempo para sentarse y ver una película, en Tiffany's no os dejamos de recomendar alguna que otra para matar esas horas de aburrimiento o pasar un buen rato. Esta semana os recomendamos 'Cómo entrenar a tu dragón', porque en Tiffany's recomendamos de todo, que hay que ser tolerantes, hombre. 'Cómo entrenar a tu dragón', una producción de DreamWorks por tanto, de animación y que desde Tiffany's nos parece digna de recomendar para los seguidores y amantes de este género.

• Títluo original: 'How to Train Your Dragon'
• Año: 2010
• Duración: 98 min.
• Dirección: Dean Deblois, Chris Sanders
• Guión: Adam F. Goldberg, Peter Tolan (Libro: Cressida Cowell)
• Música: John Powell
• Fotografía: Animation
• Productora: DreamWorks

Basada en la novela de Cressida Crowell, la historia está ambientada en una aldea vikinga, en el seno de una tribu donde Hipo y un grupo de jóvenes deben entrenarse para convertirse en auténticos guerreros y acabar así con los dragones salvajes que merodean los alrededores. Hipo sin embargo, no es como los demás y no ha desarrollado ese instinto contra los reptiles voladores: es imaginativo, trabajador y algo disperso. Así, encuentra a 'Desdentao', un dragón que sufre un accidente que le deja incapacitado para volar y al que Hipo le ayuda fabricándole un implante por sí mismo. Con su destreza comienza a fomentar un trato con los dragones hasta ahora no visto en ningún humano y una bonita amistad y letaltad mutua con 'Desdentao'. Sin embargo,  tal cosa no está bien vista entre los suyos y menos por parte del jefe de la tribu: su propio padre.

Una trama si bien muy sencilla, pero que se nos presenta de una forma muy atractiva con personajes la mar de entrañables tales como 'Desdentao'. La química entre el reptil y el protagonista de nuestra historia es infalibe y una vez más la animación por parte de DreamWorks demuestra que poco debe envidiar a Pixar. Probablemente no posea ese aura sello indiscutible de Disney, pero 'Cómo entrenar a tu dragón' es una historia que no debería perderse nadie: ni adultos ni niños. Es encantadora, entretenida, emotiva,  y deja entrever, como en cualquier película de animación los valores de la amistad, el valor, la sinceridad y la perseverancia, proporcionando además, una simpática visión de esta milenaria cultura. Además, de la mano de John Powell se consigue una banda sonora excelente que no podría irle mejor.

Si con Shrek DreamWorks hizo que se nos desencajara la mandíbula a golpe de carcajada, con 'Cómo entrenar a tu dragón', se nos presenta una fórmula casi siempre infalible que sin dejar de lado su característico sentido del humor, hace que nos emocionemos hasta el último minuto del film. Una auténtica pieza de entretenimiento que desde Tiffany's recomendamos para aquellos amantes de la animación digital.

¡Yo también quiero un Hulk!

Una no se considera gran experta de los cómics. Sí gran fan de ellos. Cuando vi la última entrega de Iron Man claramente Robert Downey Jr. desbancó a Spider-Man en el podio de super héroe favorito (se que algunos se estarán mofando cruelmente sobre esta afirmacíón. Os odio). Luego vi Capitán América y una misma quedó fascinada. Ahora bien, con la última entrega de Hulk, a Edward Norton le puse muy verde (ja, ja) y de Thor, bueno, decir que es lo más lamentable a nivel visual que he visto últimamente. La balanza estaba algo igualada. Así, poco después llegaba la noticia de que 'Los Vengadores' llegaría muy pronto al cine otra vez (se han realizado como 2 remakes incluido este), uno acude a esa gran verdad: 'o es una mierda, o es la leche'.

Pero bueno entonces...  ¿qué 'eh ehto'? se nos junta en una misma sopa La Viuda Negra, Iron Man, Thor, El Capitán América, un Hulk (muy grande y verde) y Ojo de Halcón. Vamos, que o te gustan los cómics, o has elegido la película equivocada. Como anécdota decir que el espectador sentado a mi lado NO SABÍA qué había ido a ver al cine: intuyo que no le gustó tras 500 mil resoplidos durante las dos horas y cuarto que dura la película.

No me lío: la película es MUY recomendable. Acostumbrados a ver útlimamente superhéroes bastante cutres y lamentables, y Green Lantern es un ejemplo de ello sin ir más lejos (por cierto, mi hermano me iluminó al decirme que este super héroe ES NEGRO. Me lo dice con mucha frecuencia. Está frustrado al ver a Ryan Reynolds en mayas). A lo que voy: tras ver últimamente nada excesivamente bueno dese Iron Man o Capitán América, no voy a decir que esperara mucho de esta película; pero las críticas y un padre friki que se leyó todos y cada uno de esos cómics: touché, ahí que me fui.

No podría dar muchos detalles a nivel de historia, no me considero una lectora asidua de cómics aunque ya he dicho soy amante de todas estas adaptaciones de las cuales no dudo en comprobar su fidelidad u enfoque (que un periodista tiene sus fuentes, a ver qué pasa). 'Los Vengadores de Marvel' lo es: la historia está sino bien, muy bien adaptada. Cabe decir que las historias de todos sus protagonistas se retoman en el punto exacto de sus respectivos films, lo cual facilita al lector enlazar conceptos y situaciones que, bajo mi parecer, entronca con mi idea de que es fundamental cierta continuidad en este tipo de cine. Sin embargo, no todo queda ahí: el despliegue de efectos visuales es apabullante, los diálogos son perfectos, ingeniosos, nada rebuscados, casi épicos diría... y lo que más destaco: la continuidad. Está milimetrada, no hay un solo movimiento que no esté correctamente ejecutado y enlazado con el siguiente, todo está coreografiado de tal forma que el espectador  no se pierde un solo detalle de absolutamente nada.

Alabar también el sarcasmo que tanto me gusta de los cómics de Marvel y que con tanta añoranza recordaba mi patriarca: cada uno de los personajes está impregnado de este espíritu, (con interpretaciones de los actores que lo facilitaban), mostrándole así al que está sentado en la butaca, un perfil muy completo de quién y cómo es cada super-héroe. Un elemento sin el que los cómics de Stan Lee no serían lo que son y al que por cierto, se le hace un merecidísimo homenaje aludiendo a su característico sentido del humor. Desde luego, esta adaptación de Joss Whedon ha sabido rescatar un clásico de clásicos de los Marvel. Un imprescindible.

En definitiva, una película fluida, entretenida, viva y con estilo, visualmente perfecta y sobre todo MUY divertida a la que por suerte o desgracia (para mi familia), me hizo concluir que '¡yo también quiero un Hulk!'.

¿A que es adorable?

Cuéntame un cuento...

Modas, modas y modas. Todo se resume en modas. ¿Qué definición sería la adecuada para definir dicho concepto? Bueno, he ido a lo fácil y esto es lo que nos proporciona la RAE:

1. Uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país, con especialidad en los trajes, telas y adornos, principalmente los recién introducidos.
2. Seguir la que se estila, o adoptar los usos y costumbres del país o pueblo donde se reside.

Aunque inicialmente se aplica al mundo del diseño de ropa tal y como respalda la definición proporcionada, hoy en día podemos aplicarlo a lo que nos de la gana, y el cine es un ejemplo ineludible. Pero e ahí la cuestión: ¿se mueve en base a las tendencias sociales o es la sociedad la que se ve estimulada? Lo que sí que está claro es que funciona, y que cuando les da por un tema y sobre todo dentro de la gran industria de Hollywood, es imposible no explotarlo hoy en día. Fueron los piratas, luego los vampiros y ahora, van las princesas y brujas de cuentos.

Así es, en el cine nos encontramos con Mirror Mirror (Blancanieves), dirigida por Tarsem Singh y protagonizada por Lilly Collins (Blancanieves) y Julia Roberts (La bruja del reino). Una vez más, se retoma la historia de los hermanos Grimm para llevar a cabo una producción familiar, entretenida y visualmente muy correcta. De ambientes dulces, cucos y muy elegantes, esta producción se plantea como una película de aventuras a la que podrá asistir cualquier tipo de público. En este caso aparece la manzana, los enanos, el espejo y la bruja Julia Roberts (que hace de bruja, entendedme) que sin duda es un reclamo para la audiencia y que vale la pena verla sólo por ver cómo saca el genio.

Ahora bien, ya que el dinero "va que vuela" en Hollywood, antes de esta producción ya se estaba construyendo otro mundo de Blancanieves. Rupert Sanders, de la mano de los productores de Alicia en el País de las Maravillas (de Tim Burton), deciden dar un giro de tuercas a la historia y plantearla desde un punto de vista distinto. Para empezar, se llamará Snow White and the Huntsman (Blancanieves y la leyenda del cazador), y por tanto, contará la historia de cómo Blancanieves conoce al cazador y éste le perdona la vida. Esta historia verá la luz en verano, lo que significará que será seguramente uno de los taquillazos del momento. La historia se desenvolverá en un ambiente mucho más tenebroso, oscuro y misterioso, que hará las delicias de los amantes de la fantasía con unas ambientaciones fantásticas llenas de sorpresas. Tal vez por el cariz de superproducción que le representa le lleve a ganar audiencia en taquilla, sin embargo el reparto sin duda será el mayor de los motivos. Así, tenemos a Kristen Stewart que encarnará a una dulce (pero guerrera) Blancanieves, a Charlize Theron (la malvadisisisisima bruja, lo cual me entusiasma), y a Chris Hemsworth como cazador. Imanes de audiencias que sin duda son una carta de presentación excepcional. Veremos si todo queda en una bonita producción visual carente de argumento coherente o en una película entretenida y que retome este maravilloso cuento.

Pero oye, que para gustos, colores. Otra producción de temática de cuentos es protagonizada por nada más y nada menos que Maribel Verdú, que será en esta ocasión la encargada de encarnar a la bruja malvada del cuento. Comenzó su rodaje en junio es en blanco y negro, muda y con una producción obviamente más austera, Está dirigida por Pablo Brguer y nos aporta una versión del cuento de Blancanieves del todo menos corriente; Macarena García y Sofía Oria encarnarán a Blancanieves en diferentes etapas de su vida. Deja imágenes como esta:

Muchas versiones de la misma historia, y es que tal y como dice la ranchera mejicana "con dinero o sin dinero, hago siempre lo que quiero". Así pues, tal y como los directores decidieron optar por encauzar la historia de una forma o de otra, adaptándose al gusto de un espectador que esperan la reciban de buena gana, el espectador tiene el poder de ver la que más le guste. Desde Tiffany's recomendamos verlas todas... siempre alentando a un criterio razonado.

Y fueron felices y comieron perdices.

¡Hasta la próxima!

Monster

Como sabéis, este pequeñito rincón se dedica también a recomendar.

Esta semana la elegida será Monster.

• Director: Patty Jenkins.
• Reparto: Charlize Theron, Christina Ricci.
• Género: Drama
• Año: 2003
• Trama: Basada en hechos reales, Monster cuenta la historia de Aileen Wuornos (Charlize Teron), una mujer que ejerce la prostitución desde los 13 años debido a sus cruenta y complicada infancia. Llegada a un punto en el que decide suicidarse a causa de su desgraciada vida, conoce a Selby Walls (Christina Ricci), la muchacha por la que desde ese momento su vida dará un giro inesperado. Aileen se declara culpable de 4 asesinatos y es ejecutada en 2004 en el estado de Florida tras pasar 5 años en el Corredor de la Muerte.

Lo que a primera vita parece ser una "dura historia de putas", se convierte en el reflejo de la vida de una persona real: la de Aileen Wuornos. Una chica que nunca lo tuvo difícil y así queda reflejado en este film que toma como punto de partida su inminente suicidio por su terrible situación: lo único que conoce es la calle, las malas compañías y los bares de mala muerte. Todo cambia cuando conoce a Selby Walls

Acostumbrada a que cualquier persona la mire por encima del hombro debido a su condición, Aileen (Charlize Theron) nunca llega a imaginar que una chica como Selby Wall (Christina Ricci) pudiera cambiarle la vida y darle ganas de, simplemente, vivir. Sin embargo, la falta de titulación y formación de Aileen no ayuda a cumplir su objetivo y en vistas a que fomenta la infelicidad de Selby, decide continuar por el camino de la prostitución; sin embargo, en plena ejecución de su trabajo asesina a un hombre en defensa propia. Así, sucesivamente contra 4 hombres incluido un policía.

[Dcha: La transformación]

Esta película muestra la difícil vida de estas mujeres, nunca bien vistas por la sociedad y que optan por ganarse la vida de esta forma. El caso de Wuornos refleja como una mujer de esta condición decide darlo todo por la persona a la que ama hasta llevarla al extremo de matar por ella. Crímenes que en un principio alegó fueron en defensa propia, y que sin embargo, como bien demuestran los hechos y las pruebas, 3 de los 4 nunca estuvieron justificados y de los cuales Selby queda absuelta. Una cruda historia que sin duda sus protagonistas, Charlize Theron y Christina Ricci muestran de forma excepcional con sus respectivas interpretaciones, cada una en su papel; la extraordinaria caracterización de Charlize Theron como Aileen no hace más que acrecentar y engrandecer su magnífica interpretación; con apabullante credibilidad se mete en la piel de una mujer vasta, exagerada, algo trastornada y vulgar, nada parecido a la concepción que tenemos de la actriz, y que le llevó a ganar un merecidísimo Oscar en 2004.

Sin duda una historia difícil de digerir por sus circunstancias, que nos sumerge en los aspectos más oscuros de la sociedad actual y en algunas tan desarrolladas como la estadounidense. Monster refleja la realidad misma de estas mujeres y el caso concreto de Aileen: cómo debe sobrevivir, quiere sobrevivir o simplemente vivir y lo intenta hasta la desesperación que le lleva a un punto en el que no hay marcha atrás y donde la única salida que le queda es la muerte: pagar el alto precio de sus actos.

Recomendamos, desde Tiffany's.

¡Pero oye, que es en 3D!

Como tantos otros, James Cameron se ha sumado a crear... bueno, más bien re-crear una de las superproducciones más exitosas de los 90 y uno de sus grandes proyectos cinematográficos: Titanic. Sí, la del barco más poderoso del mundo que se hunde por chocar contra un iceberg (paradojas de la vida).

Estos días me he rodeado de diversidad de opiniones al ver el anuncio en televisión: "uy, pero si yo esta la he visto ya", "uy, pero si esta ya la echaron en el cine, ¿no?". Ahora bien y no se si es peor, existen otras que (cito textualmente) afirman lo siguiente "Iiiiiiii (onomatomeya que expresa emoción) tenemos que verla otra vez, ¿eh?" cuando sabes a ciencia cierta que la tienen en VHS y que la han visto hasta la saciedad. Sí, es cierto que Titanic marcó a una generación y no es para menos: a nivel visual es una de las mejores películas que se hicieron en el momento recaudando millones y millones de dólares en la taquilla mundial, consiguiendo hasta 11 Oscar de características técnicas.

Pero... ¿cuál es el fin realmente de llevar esta superproducción a las salas otra vez, y en 3D?

Muchos respaldan la teoría de que es el mismo producto pero mejorado, pero ahí justamente reside la cuestión: ¿se le está sacando más jugo a un producto que ya estaba obsoleto? Pensemos en un teléfono de los años 50 al que le pasas un trapito, le das un poco de brillo y es "vintage". Y mola mogollón. Una experiencia renovada de una historia que ya vimos en pantalla grande una vez; que ya nos hizo llorar (de alegría o de vergüenza, hay de todo), que ya hizo emocionarnos y que ya causó nuestra impresión, fuera para bien o para mal. Otros muchos (y yo me incluyo entre ellos), respaldan la teoría de que todo en pantalla grande se ve mejor... ya, pero en este caso estamos pagando más del doble de lo que pagamos en su momento por verlo, cuando los clásicos se están proyectando semana sí semana también en filmotecas y de forma gratuita (pst, y en pantalla grande).

Que sí, que podría ser una experiencia memorable volver a ver la mítica escena del "soy el rey del mundo" o volver a escuchar esa buena banda sonora o qué leches, sabemos que muchas y digo muchas, os gustaría volver a ver a DiCaprio a sus 18 añitos conquistando a Rose (o hundiéndose congelado en medio del mar, que hay chicas para todo). Pero lo peor de todo es que por una intrínseca necesidad que reside en el interior de muchas gentes, del ser humano diría yo, esta película volverá a recaudar lo suyo en taquilla ahora en 3D. Porque nos encanta rememorar, sea lo bueno y lo malo, sea al precio que sea: ¿Para qué? Total, aquí los que se forran son siempre los mismos... ¿qué me decís de Gegorge Lucas? Sólo se nutre del merchandising de Star Wars (otro pobrecito que vive del cuento). Pero qué le vamos a hacer, el ser humano es así de masoquista.

En fin, el cine se ha hecho para entretener y cada uno se gastará y pagará lo suyo por ver lo que considere... aunque sea por décimo novena vez. ¡Pero oye, que está en 3D!

La recomendación de la semana: Charada

No se si porque llegan las fallas y es todo ajetreo pero vamos, la película que he decidido recomendar esta semana es Charada (Charade). En primer lugar os proporciono una ficha técnica:

Director: Stantley Donen

Género: Intriga, policíaco

Año: 1963

Reparto: Audrey Hepburn, Cary Grant, Walter Matthau

Os dejo el enlace en imdb para más info:

http://www.imdb.es/title/tt0056923/

¿Por qué esta película es recomendable? En primer lugar y personalmente, porque es agradable ver cómo Audrey Hepburn se desbanca de un papel más romántico y caramelizado al que nos tenía acostumbrado o conocemos; hasta ese momento, sus películas se movían en la línea de comedia romántica (recordemos Funny Face o Sabrina). Con Desayuno con diamantes tocó el cielo y podemos considerar esta película una de sus grandes actuaciones al demostrar que se desenvolvía muy bien en otros registros. En un principio se reconoce de forma oficial, que Cary Grant no quería trabajar con ella debido a la diferencia de edad, pero tras hacer varias pruebas de guión y trabajar con la belga durante un siempre largo rodaje, reconoció que no quería trabajar con nadie más: la química es indiscutible.

(Imagen del rodaje)

En lo que al actor norteamericano respecta, decir que el papel es tan engañoso como requiere que sea. Esta película como su propio nombre indica es una charada, un lío, un embrollo en el que el espectador no sabe la verdad hasta el último momento, sufriendo la agonía de la propia protagonista. Así, Grant nos tiene engañados durante todo el film, pero evitaré comentarios al respecto por peligro de spoilers.

Otro motivo: si os gusta el cine policíaco este es un buen ejemplo de ello, aunque llevado de una forma distinta de la que lo llevaría por ejemplo Polanski (recordemos China Town); no, Stantley Donen dirige este film desde una línea muy sutil, con mucho estilo, pero sin desmerecer al género, manifestando similitudes con el cine hitchconianos me atrevería a decir, (esos ambientes que hacen que a uno le crezca cierta claustrofobia, por ejemplo). Llevado con elegancia y clase, con un final bien resuelto e inesperado, Charada consiguió ser una de las películas más existosas de su año; consecuentemente consagró a los dos actores protagonistas como estrellas de Hollywood ya de forma indiscutible.

Una película muy recomendable, para ver en cualquier momento. Los tándems del amor, la intriga, el misterio, el humor e incluso las persecuciones y la música atolondrada, se mezclan en este film que deja un gustoso sabor de boca.

Vive o muere: Lana del Rey y el precio de las redes sociales

Hoy en día y cada vez más las redes sociales y las opiniones que en ellas se aglutinan pueden ensalzar o enterrar a cualquier artista. Así pasa y así sigue siendo, y la última víctima ha sido Lana del Rey. Esta neoyorquina ha lanzado al mercado su último trabajo (posee uno anterior pero ya no se encuentra a la venta) Born to die.

Icono de tendencias y una de las figuras de referencia en moda para las jóvenes, Lana del Rey suscita comentarios que afirman es "la nueva revelación de la música indie" y otros que afirman no es más que "una bonita voz enlatada y de estudio". Cuando escuchamos en estéreo a Lana del Rey sí que es cierto que posee un aura envolvente, tenue pero con fuerza, guiada por una voz que embelesa a cualquiera: sí, esa música que va bien en determinados momentos y que sin necesidad de aprendernos las letras es una música que acompaña, es agradable a nuestro oído sin ninguna duda.

Sin embargo, lo que descubre uno al oír a esta muchacha en directo es una voz un tanto más grave, de la línea de las divas de los 50, cautivadoras, sexys e incluso desafiante y que para nada se ajusta a los comentarios que circularon sobre que protagonizó la peor actuación del Saturday Night Live. Sí, puede que la voz sufriera modificaciones y una servidora lo tacha como un engaño al consumidor: lo que se me vende no es 100% real y se me está mintiendo (porque al fin y al cabo se nos trata como eso, consumidores). Pese a todo, qué queréis que os diga, sigue sin ser mala y tanto comentario negativo parece que sigue la línea de que "criticar lo que gusta es la nueva tendencia" y esta pobre novata está sujeta al precio de las redes sociales llevado a un extremo excesivo. Sometida a todo tipo de puntos de vista que según el mio (por no dejar de aportarlo), no merecen tanta trascendencia si las comparamos con las extravagantes y habituales escenitas de Gaga, por ejemplo. ¿Será envidia? ¿será vicio? Puede que simplemente sea subjetividad, puesto que todo en esta vida está sujeto a ella y más hoy en día, y más en las redes sociales. Puede que la cosa sea criticar y punto.

Sí, podríamos tachar a Lana del Rey de estafadora al vendernos su voz como algo que no suena así realmente pero, si sonara como dos gatos peleando, nadie la tomaría en serio, ¿no creéis?; nadie dice nada de Rihanna o Katy Perry y ahí siguen vendiendo cd's cuando se atreven con música menos original sonando mucho peor en directo. Sí, tal vez todas busquen como primera finalidad vender discos como churros, pero hoy en día lo que se concibe como buena música deja mucho que desear: PERO LA ESCUCHAMOS. Menos hipocresía y más atención a las cosas realmente importantes.

Ahora bien, de forma inevitable el precio de las redes sociales afortunadamente para muchos y desgraciadamente para otros tantos, es la vida o la muerte de su carrera: vive o muere.

Juzgad vostros mismos, al fin y al cabo son más opiniones a tener en cuenta:

http://www.youtube.com/watch?v=9zrvD-o8cII&ob=av2e

Porque los grandes merecen ser recordados

¿Dónde y cuándo nace el cine? Muchos diríamos que con los hermanos Lumière en Francia; también podríamos preguntarnos: ya pero, ¿qué se considera cine? Para contestar a ello, podríamos estar deliberando horas y escribir parrafadas llenas de inconcluencias, afirmaciones coherentes otras menos; autores que dicen x, otros que dicen y... siempre desde el subjetivismo por muchas evidencias históricas que hayan.

Porque sí, porque según cómo se mire, podemos dar respuesta a esas preguntas. Por ejemplo: para los Lumière, tras patentar el cinematógrafo, visionar un grupo de gente salir de una fábrica (algo normal, cotidiano y rutinario), se convertía en todo un espectáculo: no se conocía otra cosa. Supongo que sabrán de aquella anécdota del visionado de una de sus películas de un tren que pasaba a tal velocidad desde un encuadre estratégico, que la gente gritó asustada por miedo a que impactase contra ellos. A eso me refiero: qué maravilloso e importante fue aquel momento. Después llegó Edison. Sí, hizo películas; sus películas ya eran consideradas "productos" pues así lo veía: un negocio, un espectáculo; se visionaban combates de boxeo, operaciones de cirugía de la época... apelación al morbo en toda regla.

George Meliès, un prestidigitador de éxito por otra parte, decidió añadir un elemento que sin duda marcó la diferencia hasta el momento: los sueños. Cualquiera de sus pequeñas películas se desarrolla en ambientes que sólo podrían existir en nuestra imaginación, en nuestro subconsciente, en nuestros sueños. Con un trabajo elaboradísimo, Meliès junto con su equipo, coloreaban los celuloides uno a uno, esto es, "frame a frame" (fotograma a fotograma, digamos), aportándole ese aire de misterio, magia y personalidad, que nadie le había dado hasta ahora al cine. El propio Meliès participaba como director, decorador, maquillador e incluso actor, y sólo a través de su extraordinaria personalidad vemos consolidada una marca propia.

Un mago, un cineasta al fin y al cabo, brillante, al que Martin Scorsese rinde un tributo magnífico en La invención de Hugo Cabret, que pese a haberse llevado únicamente Oscars de categorías técnicas, es una película de las que no deja indiferente, sobre todo a los del gremio y amantes del cine y sus orígenes. La historia cuenta cómo Hugo Cabret, aficionado a arreglar cosas, cumple con la promesa que le hizo su padre antes de morir: reparar un viejo autómata encontrado en un museo. Su esfuerzo por arreglarlo, le llevará a toparse con el mismísimo Meliès (interpretado por un estupendo Ben Kingsley).

A través de este film, Scorsese plasma con maestría encantadores personajes que se mueven con gracia y soltura únicamente entre dos decorados: la casa del señor Meliès y la estación de trenes de París; ambos, conforman un ambiente que traslada a uno a la mismísima capital francesa con gran facilidad y sin esfuerzo. El resultado es impecable. Muy bien merecidas pues sus 5 estatuillas entre las que se encuentran dirección artística o efectos visuales, en los que Scorsese hace un trabajo bravísimo. Este año The Artist ha pisado fuerte y sin duda, este film era el único que podía hacerle sombra.

Un trabajo que cautiva tanto a adultos como a jóvenes, puesto que nos traslada hasta el mundo de Meliès donde la imaginación y los sueños son los protagonistas; eso sí, con un toque Scorsese ineludible, el cual ha sabido desenvolverse en un género al que nos tiene poco acostumbrados, (aunque los maestros trabajan bien en cualquier género). Misterio, aventura, magia, ternura y el poder de los sueños se unen en esta cinta para reivindicar la importancia del séptimo arte y uno de sus grandes precursores.

Porque los grandes merecen ser recordados.

Os dejo la mítica película de Le voyage dans la lune (1) y The Conjuror (1899) (2)

1

http://www.youtube.com/watch?v=7JDaOOw0MEE

2

http://www.youtube.com/watch?v=zs5BBaNJ6mg

The Artist: A buen entendedor...

Todo el mundo hablaba de ella: una película muda en pleno siglo XXI... de producción francesa parece, ¡y menudo nombre el del director!: Michel Hazanavicius. Luego te dicen: ojo, que cuenta con 10 candidaturas... y claro, la cosa se vuelve más interesante si cabe; y yo, como fan de las películas con dramatismo, los bailes improvisados como remedio de la tristeza y los galanes de sonrisa embriagadora... me fui a ver The Artist más contenta que unas pascuas, a ver "qué tal".

En una frase: no deja indiferente. Desde los mismos créditos The Artist me conquistó. Qué queréis que os diga, tal vez tenía morriña de ver una película de corte clásico en pantalla grande: esos créditos con aureola alrededor como si la cinta tuviera mala calidad, la disposición en diagonal de los nombres y la tipografía estilizada... primer punto a favor. En pocos segundos, Hazanavicius nos sumerge en plenos años 20, donde un prestigioso actor de cine mudo, George Valentin, arrasa en cualquiera de las producciones que realiza, de la mano de Kinetch Productions. En apenas media hora, George Valentin (Jean Dujardin) ya me ha conquistado junto a Uggie, su perrito casi equilibrista.

Aparentemente se nos presenta una trama sencilla, sin embargo esta película trata la difícil situación que sufrió la industria del cine con el cambio del cine mudo al sonoro, algo que ya se hizo con Cantando Bajo la Lluvia, solo que The Artist, sin mencionar palabra alguna, lo transmite de forma excepcional. El director nos regala escenas de baile maravillosas, personajes carismáticos, con gancho, escenarios y ambientes muy conseguidos pero sobre todo, nos plasma una época dura para el cine mudo, donde el lema era "adaptarse o morir". Así, la película nos relata con una destreza que alcanza el sobresaliente, cómo un actor obcecado en su éxito se niega a aceptar los nuevos tiempos y necesidades técnicas de las que se comienza a valer el cine a finales de los años 20. Peppy Miller, actriz en potencia, se lanza ante el nuevo panorama de la industria.

Con la crisis de 1929, muchas productoras cayeron y pocas sobrevivieron, y lo mismo ocurrió con actores como el de este caso, George Valentin, que sucumbió a su orgullo y le llevó a la decadencia profesional y personal. The Artist presenta los relatos de las estrellas del momento: Los de los que se adaptaron para sobrevivir y los de los que tuvieron miedo al fracaso; el retrato de George Valentin, que no ve la luz, y el de la joven Peppy Miller, que la luz del éxito le abre paso. Una película con final feliz y que con escasas palabras (guiño, guiño), es capaz de contar una historia con tanto trasfondo de forma maravillosa y entre otras cosas, gracias a Jean Dujardin que con su rostro lo dice todo

Rítmica, elegante, graciosa, estética y muy consistente, The Artist se presenta como una valiente apuesta a unos Oscars en los que o bien la penalizarán por ser una apuesta tan arriesgada, o bien la recompensarán por su originalidad entre tanta variedad de entre la que sólo este film podría destacar. Una oda al olvidado cine mudo, que resucita con gracia y maestría, puesto que "a buen encendedor..."