Maxime Bruneel y Serge Gainsbourg, amigos desconocidos

Maxime Bruneel dirige un videoclip de animación de 9 minutos de duración con una de las famosas canciones del francés Serge Gainsbourg “Variations sur Marilou” reintepretada por Alain Bashung en el 2006. Una obra en la que música, letra e imagen prefieren sugerir sin llegar a lo explicito. Un trabajo en el que Maxime ha logrado calar el espíritu de la obra de Gainsbourg y Bashung en un formato animado muy bello.

En “Variatios sur Marilou” la letra del tema se base en las repeticiones de estructuras prácticamente idénticas, pero añadiendo cada vez pequeñas variaciones. Las mismas frases vuelven con regularidad, ligeramente modificadas. El video de Bruneel está constituído de manera similar a la canción que suena al mimos tiempo que vemos las imágenes.El ritmo del vídeo es lento e inusualmente largo.

Pese a estar centrado en la repetición de ciclos el vídeo consigue ser espontáneo y sorprender con su transición de imágenes, 74 de ellas basadas en animales.

La canción se encuentra a caballo entre la realidad y la ficción fantasiosa. El videoclip explora este aspecto mostrando los gestos de Marilou paralelamente con un imaginario mundo del deseo. Todo ello responde a las atrevidas palabras deBashung y Gainsbourg. El reto de Maxime Bruneel era llegar a mostrar las imágenes que trae a la cabeza la obra deGainsbourg sin llegar a los escandaloso o al mal gusto.

FOTO │ Desingcollector y Paranoias

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Malcolm Sutherland: Umbra

Recientemente os hablé de su obra ‘The Astronomer’s Dream‘ y hoy toca darle el protagonismo a Umbra. Este cortometraje de 2010 no cuenta con el detallismo casi rococó de la anterior obra ya mencionada, sino que se deshace de todo artificio para continuar hablándonos en el plano del subconsciente. De modo que todo el corto ya no goza del ambiente detallista y recargado de ‘The Astronomer’s Dream‘, sin embargo, no por ello deja de tener un carácter marcadamente propio que hace que no se eche de menos su estética anterior. De hecho la ausencia de detalles en las formas le sienta estupendamente a lo que el autor pretende expresar.

Un explorador inquieto inspecciona un nuevo mundo plagado de aventuras, pero parece ser que el sitio es un tanto familiar. Con música de Alison Melville y Ben Grossman, y efectos de sonido creados por Leon Lo se nos ofrece descubrir a nosotros también este mundo que no es lo que parece.

Aquí os dejo el corto...

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Malcolm Sutherland: The Astronomer’s Dream

Malcolm Sutherland es un animador e ilustrador canadiense que sobrecoge con lo intangible. Sutherland, que camina en el mundo de lo onírico, consigue atrapar con sus pequeñas maravillas toda la atención de la que uno dispone. Además de contar con un gran guión, sus obras, poseen una estética muy particular, cuidada y adictiva que se repite a lo largo de los distintos trabajos que ha ido publicando.

The Astronomer’s Dream es la obra que me gustaría comentar hoy. En esta estrambótica, recargada y singular obra damos un viaje por las estrellas impulsados por el subconsciente de un astrónomo, protagonista del corto. En este trayecto, el autor le dará un nuevo significado al “ciclo alimenticio”, trasladándola de manera… digamos imaginativa, al mundo espacial.

El corto cuenta con un estilo muy propio repleto de infinidad de detalles, sin llegar a sobrecargar los distintos elementos de los que hace gala. Haciendo de este modo que no resulte agobiante ver la ingente cantidad de pequeñas formas y texturas que forman este pequeño universo espacial.

Via Celuloide Posmoderno

Kike Maíllo y Manos de Topo

Kike Maíllo, el ganador del Goya 2012 por la mejor dirección novel con la película Eva, sorprende con una serie de videoclips realizados para la banda de música catalana 'Manos de Topo'. Este realizador y director tiene experiencia en series de televisión, en la realización de cortometrajes de los que ya os he hablando anteriormente, en videoclips y como ya se sabe con la gran pantalla con la que es su primera aportación, Eva. Hoy os traigo dos videoclips realizados en un plano secuencia cada uno donde la letra de la canción tiene su referente audivisual de forma casi poética.

El grupo 'Manos de Topo' se creó en 2003 cuando dos estudiantes de cine de la ESCAC residentes en Barcelona, Alejandro Marzoa y Miguel Angel Blanca, formaron el grupo como forma de entretenimiento. Desde sus primeras actuaciones, en fiestas de amigos y conocidos, y maquetas, ‘Ortopedias bonitas’ o ‘El primero era mejor’, parodiaron la canción clásica de amor con letras donde se hablan de fracasos amorosos.

Para darle más énfasis el cantante Miguel Ángel interpreta todos los temas con voz llorosa y desafines buscados. Debido a sus diferentes actuaciones en locales de su Barcelona natal y su autopromoción en la red social MySpace llamaron la atención de sellos de música independiente y de la crítica.

Y sin más preámbulos, aquí os dejo 2 de los videoclips dirigidos por Kike Maíllo para el grupo barcelonés:

 

Vía Celuloide Posmoderno

Birdboy

 

 Un terrible accidente de tonalidad nuclear hace que la pequeña ratoncita Dinki vea su vida profundamente cambiada en la pequeña isla donde vive con su familia y compañeros de clase. Nada volverá a ser igual desde esa fatídica mañana en la que se dirigía a la escuela junto a su padre.

 Aquí es donde entra Birdboy, el personaje que da título al corto. Este excéntrico y extraño muchacho estará directamente relacionado con la ratoncita, pues sus alas son clave para poder escapar de la nueva y macabra isla en la que residen. Este joven parece ser o bien ignorado o bien detestado por el resto de la población de la isla, tanto es así que para poder escapar de su melancólica y solitaria situación se sumergirá en el consumo de drogas para escapar, al menos mentalmente, de tan horrible lugar.

  Los responsables de 'Birdboy' son Pedro Rivero y Alberto Vázquez. El primero de ellos ha sido presidente de la Asociación Profesional de Guionistas Vascos durante 6 años, además de productor, director y coguionista del largometraje ‘La Crisis Carnívora’, que se trató ni nada más ni nada menos que de la primera película española realizada en Flash para salas de cine. Actualmente trabaja como guionista en diferentes series de animación para televisión, como autor de cómics y textos teatrales.

 Por su parte, Alberto Vázquez es ilustrador, autor de cómics y diseñador gráfico. Ha colaborado en diferentes trabajos como ilustrador para EL PAÍS y en una gran serie de revistas nacionales e internacionales. Ha publicado un total de cinco novelas gráficas, una de ellas traducida y publicada también en Francia además de en el territorio nacional.

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Las 10 mejores películas del 2012

Acaba el año y en el cine como todos, se hace balance. Podemos decir que el 2012 ha sido un año lleno de grandes éxitos en taquilla que destacan no sólo por su virtuosismo en técnicas visuales sino también por su calidad y sus grandes historias. El buen hacer cinematográfico se palpó en el 2012 y se resume en una lista.

1. Argo

Con esta pieza Ben Affleck vuelve a estar en lo más alto. Argo es sin duda una de las películas más aclamadas de la crítica de este 2012 y por ello merece el primer premio; Affleck que ejerce de actor y director al mismo tiempo (algo a lo que ya nos tiene acostumbrados) deja constancia de que se desenvuelve muy bien en las dos facetas aunque la crítica lo valore más desde la figura de director: es la interpretación más convincente que el actor ha hecho hasta el momento.

2. Moonrise Kingdom

Se encargó de abrir la pasada edición del Festival de Cannes y es considerada por la crítica sin duda la mejor película de Wes Anderson. Es un pequeño y emotivo homenaje a la vida, a la infancia y a la aventura. Ewan McGregor y Bill Murray encabezan el reparto de un film considerado como uno de esos tesoros que sólo se encuentran muy de vez en cuando. El buen hacer cinematográfico cristaliza en Moonrise Kingdom.

3. Blancanieves de Pablo Berger

La mejor película española del año según la crítica nacional. El saber hacer cine con maúsculas: Con reminiscencias a Un Perro Andaluz de Buñuel y tal vez una ligera influencia de The Artist según las críticas recientes, esta versión del cuento (la mejor versión del año con diferencia), se consolida como el mejor film español del 2012 no sólo por su evidente calidad cinematográfica sino por ser una bonita oda a la cultura popular española.

4. El caballero oscuro: la leyenda renace (Christopher Nolan)

El mejor resultado en las salas de cine del hombre murciélago en mucho tiempo. Christopher Nolan deja huella y rescata al Caballero Oscuro de las sombras para configurar una de las mejores sagas de los últimos años. De la mano de  Christian Bale o el inamovible Michael Cain como Alfred, El caballero oscuro: la leyenda renace ha hecho las delicias de los fans del super-héroe y da por finalizada la trilogía Nolan que es sin duda la mejor cara del enmascarado.

05. La vida de Pi, Ang Lee

Casi se queda fuera por meses en su estreno. El film de Ang Lee ha llegado hasta las salas de cine de forma abrumadora: considerada como el nuevo 'Avatar' (James Cameron), este film hace las delicias de todo espectador pues se le brinda la oportunidad casi de estar ante un cuadro en movimiento: fotografía y tratamiento visual abrumadores que hacen que una historia durísima se convierta en todo un festival para los ojos.

6. Looper, Rian Johnson

Otra película que se esperaba con ansia. De la mano de Bruce Willis y el joven Joseph Gordon-Levitt esta historia de ciencia ficción con estética entre futurista y semi-western consiguió conquistar al público. Con claras referencias a obras como Matrix u Origen, Looper se gana un puesto alto en el ranking: ciencia ficción, viajes en el tiempo y discursos apocalípticos son factores que hacen que este film se encuentre entre los mejores del año, pero sobre todo por hacerlo de una forma tan original pese a tratar sobre una temática algo desgastada.

7.Shame, Steve McQueen

Sin duda una de las películas más transgresoras del año. Con un Michael Fassbender de lujo, Shame indaga en la mente de un obsesivo sexual llegando a causarnos el más absoluto pero paradójicamente atrayente desprecio hacia él. Una pieza muy preciosista de la mano de Steve McQueen que no dejó a nadie indiferente y que sin duda merece este puesto en la lista.

 

8. Skyfall, Sam Mendes

Uno de los estrenos más esperados del año y otra saga que consolida su éxito en el 2012. De la mano de Sam Mendes, Skyfall consigue estar entre las mejores películas de este año consolidando la mejor versión del super agente británico hasta el momento según los más puristas. Después del batacazo de su predecesora, Quantum of Solace, Skyfall ilustra a un James Bond impecable que hace que obtenga un merecido puesto en la lista no solo por la pieza en sí, sino también por la aportación española de Bardem siempre brillante que sin duda, ensalza la película de forma evidente.

9. Drive, Nicolas Winding Refn

A las puertas de los Oscar se quedó pero sin duda esta pieza merece mención y sobre todo, puesto en el ránking. Ryan Gosling encarna a un personaje enigmático pero a la vez siniestro que lleva una doble vida como conductor de encargo para asuntos de dudosa legalidad. Con una banda sonora brillante, Drive nos brinda desde una perspectiva ochentera una pulida puesta en escena digna de mención y sobre todo un Gosling que ofrece su mejor interpretación hasta la fecha. 

10. Intocable, Olivier Nakache

Sin duda una revelación. Basada en hechos reales una vez más el cine francés demuestra que sabe lo que hace y lo hace bien: una divertida y realmente emotiva película que nos habla de superación, confianza y amistad lleno de optimismo y fuerza por todos lados. La química entre los protagonistas y la clase que se desprende del film hace que se gane uno de los puestos del ránking por su sencillo homenaje al Carpe Diem.

Es el Coen Style

Hoy dedicamos una entrada a los inconfundibles hermanos Coen.

Productores, guionistas, productores. Los Coen son sin duda uno de los ejemplos de cómo crear estilo de una forma sencilla y sin voluntad de pretenderlo. Su cine se mueve entre unas variables muy fáciles de identificar: guiones muy elaborados, cine negro, situaciones surrealistas o personajes histriónicos. Seguro que todo esto os resulta familiar.

Pero sin duda la cuestión más importante que debemos hacernos es ¿cómo consiguen el equilibrio perfecto entre presupuesto y resultado de calidad? Sin duda en la planificación absoluta: todo está planificado al detalle: hay un buen guión, un guión técnico, un story-board elaboradísimo a raíz del cual los actores conocen todos los detalles del transcurso de los acontecimientos en el relato y de la forma más clara. Sencillamente, los planteamientos básicos para que toda obra cinematográfica funcione: trabajar desde la base.

En los Coen además, vemos constantes muy significativas: gordos gritando, perros o personajes que destacan por peculiaridades en su carácter son sin duda constantes temáticas en sus textos. Sus personajes por ejemplo, son intepretados siempre por un elenco de actores casi fieles a sus filmes: George Clooney, John Turturo o Jeff Bridges son prácticamente fijos en sus películas y ello nos hace cuestionarnos el por qué: sencillamente, los hermanos Coen escriben de forma clara, sin trabas ni diálogos enrevesados; escriben el guión con varias ideas a la vez, a máquina y en voz alta: su compenetración y entendimiento así como su complementariedad hace que el trabajo actoral salga prácticamente solo. Además, su fama les precede y es un aval de éxito el trabajar con los cineastas. Según muchos de los actores que han trabajado con ellos, lo que más destacarían es que prácticamente no hablan durante los rodajes, pues todo está claramente explicado en las reuniones previas: se ha dispuesto de un guión tan sumamente claro que pocos apuntes caben hacer.

Otra de las ventajas del cine Coen es que sus historias hablan de lo que conocen, de su vida. Son personas introvertidas, que compartieron una infancia llena de traumas, inseguridades, buenas y malas experiencias como todo el mundo y que ha repercutido en su peculiar forma de ver la vida, también ha hecho que se complementen de forma excepcional dando como resultado obras con diálogos muy bien elaborados y de una calidad ineludible. Constantes como viejas referencias a personajes de la cultura americana, escenificar el lugar en el que nacieron y esa calidez que se transmite en todas y cada una de las películas les hace únicos.

Su polivalencia como guionistas, productores y directores les hacen unos profesionales muy completos que consecuentemente hace las delicias del equipo técnico y artístico, pues trabajan con la seguridad de que todo está bajo control a nivel de discurso narrativo: la historia está clara. Sin duda un ejemplo de cómo crear estilo sin pretenderlo, de cómo crearlo escribiendo como les dicen a los escritores noveles ‘sobre lo que conocen’. Un ejemplo de lo infravalorada que puede llegar a estar la labor de guionista y de la pieza en sí, pues en el caso de los Coen es su sello de identidad y una de las cosas por las que han llegado a donde están. 

Es el Coen Style.

Filmografía: las más recomendadas.

• Sangre fácil (su primer film)
• Fargo
• El gran Lebowski
• Arizona Baby
• Muerte entre las flores

Análisis: Ben Stiller en Twitter

Siguiendo con los análisis, nos centramos ahora en el perfil oficial (y personal) del actor, cómico, productor y director estadounidense Ben Stiller, cuya cuenta es @RedHourBen. Por la popularidad de este personaje público hemos tenido problemas para utilizar algunas herramientas de análisis, puesto que sobrepasa su capacidad de lectura de datos.

1. Influencia:
Al analizar el nombre de la cuenta en twittergrader vemos que Ben Stiller tiene un grade del 100%, propio de un actor tan conocido a nivel internacional. Cuenta actualmente con 3.583.457 seguidores y sigue a 146 cuentas de Twitter. Observamos un total de 1.396 tweets enviados en el momento del análisis.

Además podemos encontrar más información en Twitalyzer, que nos ofrece información acerca de los temas de los que habla: educación, pintura, ciclismo, cine, celebrities, películas, vehículos ecológicos, arte contemporáneo, medios de comunicación... No solamente podemos encontrar esto, sino que esta herramienta nos ofrece el siguiente gráfico:

2. Estadísticas:
Utilizando TweetStats podemos acceder a la información en forma de gráficos. Comprobamos que su actividad en Twitter ha decaído desde Junio de 2011, teniendo una media actual de 2,5 tweets al día y 34 al mes. Su actividad presenta su punto álgido entre julio de 2009 y enero de 2011. Desde entonces fue decayendo hasta apenas alcanzar el 50% de sus publicaciones anteriores.

Además, podemos ver que el horario para twittear de Ben Stiller es mucho más errático que el de la marca Pixar (seguramente por ser una cuenta más personal), aunque suele concentrar su actividad desde las 12am hasta las 8pm, y desde el mediodía hasta más tarde de las 8pm.

Por otra parte, al comprobar su cuenta mediante TweetReach obtenemos los siguientes resultados:

3. Gestión de la cuenta:
Debido a lo popular que es este actor no hemos logrado analizarla aunque la henos intentado estudiar con varias herramientas gratuitas, como es el caso de Twitterless o Friend or Follow... por lo que ocurre lo mismo que con @Disney Pixar.

Análisis: Pixar en Twitter

Beatriz Vera 

Sara Barbé

Ester Morell 

Para el análisis de las cuentas de Twitter de una marca establecida en el mercado y un personaje público reconocido, hemos elegido relacionarlas con la sección del blog "Arte y Animación". Con el fin de que este análisis sea acorde con las críticas de películas que hacemos en "UN RINCÓN COMO TIFFANY'S" hemos escogido la marca americana "Pixar Animations Studio" cuya cuenta oficial es @DisneyPixar. En cuando al personaje, hemos elegido al actor, productor, cómico y director americano Ben Stiller, cuya cuenta oficial es @RedHourBen. 

ANÁLISIS DE LA MARCA

Esta decisión, además, ha sido motivada por la necesidad de escoger una marca conocida a nivel internacional, que contase con películas de éxito que puedan atraer la atención suficiente como para ser interesante en un blog, y una gran difusión entre los jóvenes y adolescentes. Por todo ello, esta empresa perteneciente a Disney ha sido la elegida para realizar el informe de influencia, estadísticas, información y gestión de la cuenta.

1. Influencia:
Al analizar el nombre de la cuenta en twittergrader nos aparece un Grade del 100%, por lo que los resultados no podrían ser mejores para la marca. Pixar tiene (en este momento) 2.320.822 seguidores, mientras que sigue solamente a 108. Cuenta con un total de 1.571 tweets publicados en el momento del análisis.

Además, al analizarla con Twitayzer obtenemos la siguiente información:

2. Estadísticas:
Analizando la cuenta de Pixar con Tweetstats, que muestra las estadísticas de mensajes de la cuenta, encontramos (entre otros) el siguiente gráfico. Así comprobamos que esta marca publica una media de 1.7 tweets al día, y 38 tweets al mes.

Además, también podemos encontrar con esta misma herramienta un gráfico en el que se analizan los tweets enviados según el día de la semana y la hora de publicación. Vemos que todos los días Pixar twitea fundamentalmente a las 12am y en torno a las 6pm.

Por otra parte, al utilizar TweetReach obtenemos los siguientes resultados:
     

3. Gestión de la cuenta:
Debido a la inmensa popularidad de esta cuenta, no nos ha sido posible analizarla con las herramientas gratuitas para recabar esta información, como es el caso de Twitterless o Friend or Follow.

Álex de la Iglesia, Kike Maíllo y El Deseo análisis de sus twiters

Desde Un rincón como Tíffany's hemos querido hacer un pequeño análisis de las cuentas de Twitter de dos grandes cineastas, Álex de la Iglesia y Kike Maíllo, y de la productora de Pedro Almodóbar, El Deseo. Estas herramientas nos han permitido analizar las visitas de una manera sencilla y muy eficiente.

En primer lugar hablaremos de Álex de la Iglésia. En el siguiente gráfico podemos observar la actividad de su twitter de enero de este año hasta octubre. Alex mantiene una gran actividad en su twiter, llegando a publicar alrededor de unos 320 twits por mes. También se observa una tendencia decreciente en los últimos meses, no obstante, advertimos que es una actividad notable.

El Juego de Ender

Adivina quién viene a cenar esta noche: Una pequeña diferencia de pigmentación

Quien iba a decirle a la sociedad de los años 60 que un negro llegaría a ocupar la Casa Blanca en un futuro muy próximo. Para nosotros eso hoy en día es una realidad con la que vivimos y aceptamos sin problemas; sin embargo y muy a nuestro pesar, a muchos otros les afectó de forma negativa y aún sigue siendo así: los prejuicios son los sentimientos más perecederos en el ser humano. Así nos lo cuentan en Adivina quien viene a cenar esta noche.

• Año: 1967
• Duración: 108 minutos
• Director: Stanley Kramer
• Guión: William Rose
• Música: Frank DeVol
• Fotografía: Sam Leavitt
• Reparto: Spencer Tracy, Sidney Poitier, Katharine Hepburn, Katharine Houghton, Cecil Kellaway, Beah Richards, Roy Glenn, Isabel Sandford, Virginia Christie, Alexandra Hay, Barbara Randolph

Tal y como le pasaba a Matt Drayton (Spencer Tracy), el padre y principal afectado de la película. Este caballero tiene que afrontar en un mismo día la noticia de que su hija se ha enamorado, se va a casar, se marcha con él y que además, es negro. Nunca podríamos imaginar que en un individuo de su condición, liberal hasta la médula y ateo sin remedio, pudieran florecer tales prejuicios. Parece que ansía la felicidad de su hija, pero no de ese modo. Al contrario que su esposa. Christina Drayton (Hepburn), una mujer formada, con carácter y de inteligencia desbordante, tampoco esconde su asombro ante la noticia, sin embargo, poco tarda en deshacerse de esos tapujos que admite, no le dejan ver la realidad: su hija está realmente enamorada y eso es lo que importa.

Isabel Sandford como Tillie, la criada.

Si seguimos en la dinámica de reacciones inesperadas y por muy contradictorio que parezca, en este film se trata el tema del racismo de una forma muy curiosa. Podríamos llegar a entender la sorpresa de los padres como normal, teniendo en cuenta la época y sus concretas circunstancias. Sin embargo, lo que más llama la atención es que la criada, también negra, es probablemente la persona más reacia a que la relación y la boda se lleven a cabo: “como le hagas daño a esa criatura te vas a enterar de lo que es el verdadero poder negro” le espeta en un determinado momento. Y es que es paradójico ver cómo una persona que teóricamente debería sensibilizarse más con el tema, es la más contraria al mismo. Pensar que cada uno debería permanecer en su sitio era una posición que muchos adoptaban. En base a eso, añadir que los propios actores de la película, tuvieron que sufrir en carnes cómo se les rechazaba, abucheaba y maltrataba por el simple  hecho de escoger filmar una película que retratase la cruda situación del pueblo americano en los años 60. Estrenada en el 67, y en relación con lo que se comenta, podemos ver una vez más cómo el tema del racismo en Estados Unidos fue un lastre que arrastrar durante mucho tiempo; una dura realidad que muchos sufrieron como víctimas principales y otros muchos como defensores, como el reparto de esta película, que decidió contarlo y hacerlo ver como un problema que no tenía por qué existir, o una lucha que no tenía porque librarse.

Porque John Prentice, el pretendiente en cuestión, no era ninguna persona de la que debería esperarse algo malo: un hombre importante, muy formado y con ideas y convicciones muy claras; así nos lo hace saber la enamorada y así lo aprecian todos desde el primer instante en el que entablan conversación con él. Cauteloso y respetuoso en las decisiones que toma, plantea a los patriarcas lo que supone el dilema principal de la película: que sólo se casará con su hija si ellos lo aceptan sin ninguna objeción. A partir de este momento el peso de esta historia recae sin duda en el padre, que se debate entre lo que puede ser la decisión correcta o incorrecta, la mejor o peor para su hija. Un personaje que incluso el espectador podría tachar de hipócrita al no aceptar una situación que en base a sus ideas liberales no debería siquiera considerar. Un personaje que incluso es rechazado por sus más allegados por no secundar la decisión de su hija. Vemos un hombre cegado por sus prejuicios, pues ellos son el clavo ardiendo al que se aferra con tal de esconder su verdadero miedo: su miedo a las consecuencias de esa decisión, su miedo al futuro de su hija, su miedo a desprenderse de su pequeña que se casa, les deja y forma su propia vida.

Porque al fin y al cabo, no tiene miedo de la persona con la que se casa su hija, ni del color de su piel, sino de las personas que como él, puedan ser incapaces de ver que lo que prevalece sobre el color, son los sentimientos; porque al fin y al cabo, el miedo es el sentimiento más común entre las personas. Porque eso es de lo que trata realmente esta historia: que los prejuicios no son los protagonistas de las actitudes y reacciones de los personajes, sino los miedos, los miedos que se esconden bajo la tendencia racista. Miedo de lo que supondría una decisión de tal calibre para su hija, pues como bien se afirma en el film “ellos son los que cambiarán el mundo y lo harán un lugar mejor”. Pues al fin y al cabo en palabras de Matt Drayton: “solo os diferencia un pequeño problema de pigmentación”.

Vuelven (por Navidad) Les misérables

Bueno, nos permitimos el lujo de elaborar este post. Les miseràbles (Los miserables) vuelve a los cines por segunda vez y como su fecha de estreno está cerquita, hemos decidido contextualizaros un poquito sobre la misma. Este post se ha elaborado a través de Storify, una red social que como veréis da una gran cantidad de posibilidades a la hora de interractuar con diferentes redes sociales al mismo tiempo: 

http://storify.com/barbegaray/el-regreso-de-los-miserables

Sin embargo, hemos decidido postarlo como podéis observar a continuación. Esperamos que os guste.

Los Miserables, la obra cumbre del escritor, poeta y político francés Victor Hugo de éxito internacional vuelve a través de la gran pantalla. El director Tom Hooper es el encargado de rescatar la obra con un reparto de lujo: Anne Hattaway, Rusell Crowe y Hugh Jackman. Aquí el trailer:

Poster de la película 2012

La obra

Como sabemos, la obra literaria plantea a través de su argumento un razonamiento sobre el bien y el mal, sobre la ley, la política, la ética, la justicia y la religión. Para crear los dos personajes principales el autor confesó inspirarse en Vidocq, un criminal francés que al redimirse acabó inaugurando la Policía Nacional Francesa. De fuerte crítica, el autor admitió haberse inspirado en la Francia de su tiempo para configurar una historia que relata la Rebelión de junio (1832), la llamada restauración monárquica (entre 1815 y 1848) junto con las revoluciones de 1830 y 1848 que contagiaron a toda Europa con los posteriores cambios políticos. Con claras referencias en contra de la pena de muerte, esta obra se destaca por la clara estereotipación de sus personajes que bien reflejan la cruda realidad del contexto histórico.

El autor: Victor Hugo

(Besançon, Francia, 1802 - París, 1885) Escritor francés. La infancia de Victor Hugo transcurrió en Besançon, salvo dos años (1811-1812) en que residió con su familia en Madrid, donde su padre había sido nombrado comandante general. De temprana vocación literaria, ya en 1816 escribió en un cuaderno escolar: «Quiero ser Chateaubriand o nada».












Apuntes generales:

• Es considerado el jefe de las filas del Romanticismo
• Virtuosismo evidenciado por primera vez en su obra Las Orientales (1829) 
• Hizo su aparición en la escena teatral con Hernani (1830), obra maestra que triunfó en la Comédie Française. 
• En 1841 ingresó en la Academia Francesa pero, desanimado por el rotundo fracaso de Los burgraves, abandonó el teatro en 1843.

Entregado a la actividad política:

Pese a presentarse a las elecciones de 1848 en apoyo de la candidatura de Luis Napoleón Bonaparte, sus discursos sobre la miseria, los asuntos de Roma y la ley Falloux anticiparon su ruptura con el Partido Conservador. El 17 de julio de 1851 denunció las ambiciones dictatoriales de Luis Napoleón y, tras el golpe de Estado, huyó a Bélgica. Si bien es cierto que no publicó ninguna obra entre 1843 y 1851, concibió su novela Los miserables y compuso numerosos poemas que aparecieron posteriormente.



De su exilio de 20 años nacieron:

• Los castigos un conjunto de poesías satíricas,
• La trilogía El fin de Satán
• Dios y La leyenda de los siglos, ejemplo de poesía filosófica, en la que traza el camino de la humanidad hacia la verdad y el bien desde la época bíblica hasta su tiempo.
• Y finalmente Los miserables, denuncia de la situación de las clases más humildes.

De vuelta a París, tras la caída de Napoleón III (1870), Victor Hugo fue aclamado públicamente y elegido diputado. A su muerte, en 1885, el gobierno francés decretó un día de luto nacional y sus restos fueron trasladados al Panteón. A día de hoy es considerado como uno de los mayores poetas franceses de la historia.

Les Misérables y su paso por los escenarios

Si bien tuvo una gran repercusión a nviel literario, esta obra ha traspasado el papel para hacerse de carne y hueso: En 1980 se estrena por primera vez en París. Con una banda sonora compuesta por Claude-Michel Schönberg y letras escritas por Alan Boublil y Jean-Marc Natel, la trama es fiel a la historia de Hugo: la lucha de varios personajes por conseguir la redención y la revolución.

Posteriormente se inauguró en el Barbican Centre de Londres, Inglaterra ya en octubre de 1985. Los datos ratifican la obra como:

- El segundo musical con mayor duración de la historia después de The Fantasticks
- El segundo más antiguo del West End después de La Ratonera
- El tercero de más larga duración en la historia del espectáculo de Broadway.

En enero de 2010, representó su diezmilésima actuación en el Queen's Theatre de West End de Londres. Para dar fin a este atípico post, os dejo una de las canciones más representadas de este musical a modo de concierto como motivo de celebración del 25 aniversario de la obra:

Irene Escolar: "No podría vivir sin el teatro"

Esto es lo que asegura Irene Escolar, una de las protagonistas de la obra teatral 'De ratones y hombres' que está de gira por España y hace su respectiva parada en Valencia. Con ella hablamos de política, cultura y sobre todo, de teatro.

El ambiente es tranquilo, distendido. Entre los presentes, nadie espera a Irene como la persona que cruza el umbral de la puerta: con vestimenta cómoda pero bien abrigada, se presenta ante nosotros serena y tranquila: su frescura hace que de repente, la poca tensión que pudiera haber en el ambiente, se esfumara. Asegura ser la primera vez que hace algo así. Con tan solo 24 años esta actriz procedente de una estirpe de ilustrísimos actores en España, ya ha sido galardonada con el premio Ojo Crítico a la mejor actriz de teatro 2011. Hemos tenido la oportunidad de hablar de la obra, del trabajo del actor y de las cuestiones que afectan bien de cerca a la cultura española.

‘De ratones y hombres’ es la obra homónima de Steinbeck y una de las más representadas de los tiempos; ahora Irene tiene la oportunidad de hacerlo a cargo de Miguel de Arco. Con 75 representaciones a las espaldas y un éxito apabullante la joven actriz afirma que en el mundo del teatro, con cada nueva representación se forja "una nueva oportunidad de mejorar y llegar al público" y continua afirmando la dificultad de la tarea: “tienes que mantener eso vivo cuando lo repites cada día. Hay una partitura que tienes que seguir, pero has de intentar que cada día, según estés tu, cómo te sientas y demás, sea diferente”.

Coincide con nosotros en que es una obra de sueños truncados. Su personaje también lo sufre: “Quiere salir de ahí, quiere ser actriz, soñar, pero el entorno se lo impide completamente”. Pese a ser la única mujer descrita en la obra, su presencia es clave para el desarrollo de la misma. En lo que respecta a la construcción del personaje afirma que es muy complejo, “probablemente uno de los mas complejos que haya intepretado”, defiende. También nos habla de lo difícil que fue actuar ante el público valenciano "se notaba un silencio imponente, sin duda signo de que te están escuchando; es todo un reto: un espectáculo emocionante, en vivo".

Y así continúa: “El teatro implica dejarse la vida en cada representación”. Trabajadora incansable afirma que en esta ocasión “contar con la ayuda de Miguel de Arco ha sido una suerte”. Ahora bien, si tuviéramos que hablar de Irene Escolar como persona, hablaríamos de una mujer con las ideas claras y de una inteligencia que asusta. Cuando ha de hablar sobre la cultura en España lo tiene claro: "está tomando un camino equivocado". La actriz, que tuvo que vivir en carnes cómo el mismo día del estreno en Valencia, su obra competía con un partido de fútbol, se resigna y afirma “no poder luchar contra eso”. Ahora bien, sin tapujos defiende: “es un factor educacional: en España no se está educando para valorar la cultura" 

Entre las cámaras y los escenarios

Aunque incide constantemente en la ardua tarea del actor de teatro, su trabajo en el cine es encomiable para su corta edad; así, conversamos sobre lo diferente que puede ser el trabajo actoral según el medio en el que se trabaje. Con transparencia absoluta defiende que para el teatro se necesita “una técnica brutal. Es muy complicado. En el cine puedes conectar con la emoción de forma más fácil: a través de un plano, un sonido. En el teatro es más complejo, tu interpretación depende de ti”.

Si le decimos que elija, se muestra indecisa: “Soy una cinéfila empedernida, pero el teatro es algo maravilloso”. “Tu tienes un plano muy corto y puedes jugar con eso, en el teatro es imposible: el espectador del fondo no me ve los ojos” continúa. Aún así, nos habla de la experiencia ante las cámaras, y afirma que repetir las tomas en el cine: “para una actriz de teatro como yo es un lujo”.

Comenta haber hecho los mejores personajes en el teatro y es cuando de forma inconfundible advertimos su amor por las tablas. Cuando le preguntamos sobre sus deseos interpretativos nos comenta de forma entusiasta “¡Haría muchísimos! Haría de Laura en El zoo de cristal de Irina en Las hermanas de Chejov con treinta años haría de Ana Christie…” soñadora empedernida, advertimos. Afirma tenerlo todo pensado y cuando termine la gira con ‘De ratones y hombres’ podremos verla de nuevo en la gran pantalla en la producción de Santiago Tabernero: Presentimientos, prevista para el 2012. Irene Escolar es la muestra de que el apellido pesa pero para bien, pues desde el momento en el que toma asiento, hace ver que disfruta y ama lo que hace “No podría vivir sin hacer teatro”.

Amanecer Parte II: El fin de un fenómeno

Todo comenzó allá por el no muy lejano 2005. Stephenie Meyer (Harthford, Conneticut), publica su primer libro: Crepúsculo (Twilight). Probablemente ni ella misma podría imaginar lo que significaría escribir acerca de una historia de amor poco convencional: la de una humana y un vampiro. Traducido a 37 idiomas con más de 25 millones de copias vendidas, la historia de Bella y Edward se alargaría a lo largo de 3 libros más (Luna Nueva, Eclipse y Amanecer respectivamente) para acabar catalogados como una de las sagas de literatura juvenil-adolescente más exitosas a día de hoy.

El salto a la gran pantalla

Ya en 2008 fue cuando el primer capítulo de esta historia (Crepúsculo) fue llevado a los cines de la mano de Catherine Hardwick: el fenómeno no hacía más que crecer y la cosa no había hecho más que empezar. El film se presentó con una austera producción de ambiente intimista y romántico muy fiel a la novela, que consiguió embolsarse un total de 383.520.177 dólares en salas de cine de todo el mundo y otros 163714021 dólares en posteriores ventas de DVD en Norteamérica. Se había marcado el pistoletazo de salida: la continuación de la saga vampírica Luna Nueva, se estrenó un año después. Hasta nuestros más recientes días y concretamente el pasado 16 de noviembre se estrenó la última entrega que culmina con la    apabullantemente exitosa saga de vampiros; con Amanecer parte II (se decidió partir la historia en dos filmes debido a la extensión del libro), se da por finalizada la historia entre Edward Cullen y Bella Swan, una historia de que el amor puede ser, literalmente hablando, para siempre.


Siguiendo la estela de la saga Harry Potter, Crepúsculo es sin duda otro de los ejemplos de la cultura fan actual más significativos que se conocen hasta el momento. Con un total de 5 filmes y consecutivos éxitos en taquilla, su última entrega se ha convertido en la octava película más rentable de la historia estadounidense con 101,06 millones de dólares recaudados en su primer fin de semana, y 9 millones de euros en los cines españoles. Stephenie Meyer, convertida de simple autora de la obra a productora de las dos últimas entregas se guarda un as bajo la manga: The Host, otra adaptación de su última novela esta vez, de ciencia ficción.


Amanecer parte II: El fin de un fenómeno



- Título: Amanecer parte II
- Director: Bill Condon
- Reparto: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner
- Género: Acción, romántica
- Fecha de estreno: 16 noviembre de 2012
- Sinopsis: Bella debatiéndose entre la vida y la muerte, queda convertida en vampiro para poder dar a luz a su bebé y sobrevivir. Tras mantener la promesa de ser inmortal ante los Volturi, se corre la voz sobre la existencia de un posible niño inmortal, algo castigado con la muerte y que hará que el clan Cullen deba librar la batalla de su vida.



Es una de las películas más esperadas del año. Los dólares recaudados en taquilla hablan por sí solos y es que Amanecer Parte II no es otra película más de la saga de vampiros más éxitosa de todos los tiempos, sino que es el final de la misma: todo acaba aquí.

Si el lector no está acostumbrado a acudir a las sesiones del día de estreno de este tipo de films, se está perdiendo todo un espectáculo, incluso puede que muchos sin saberlo, se hayan lanzado a hacerlo y hayan salido escarmentados...o encantados. Siendo la última entrega de la saga que levanta más pasiones que emociones, la salas de cine se convierte en un hervidero de hormonas en los que el público adolescente ocupa casi el 80% de las butacas. No obstante, para mi sorpresa observé que en las colas previas se podían encontrar públicos de todo tipo: parejas, matrimonios, grupos de amigas. La saga ha conseguido llegar a un amplio abanico de edades. Todos tenían algo en común: iban a ver el desenlace de la historia más esperada del año.

Amanecer Parte II dista mucho de las anteriores entregas de la saga. Partíamos de unos films con unos tempos soporíferos en los que el romanticismo y unas dosis de acción bastante reducidas (por no decir inexistentes), eran las constantes y por tanto, simpatizaba con los fans y poco más. Con cada entrega, los directores encargados de adaptarlas le aportaron su más personal visión estética (ojo, no hablo de estilo), haciendo de cada pieza una obra única pero que tomaba como punto de partida la anterior. En Amanecer parte II (al igual que en su anterior entrega) Bill Condon consigue algo que, bajo nuestro parecer, los otros directores no consiguieron: que tanto los fans más fieles a la saga como el público más imparcial, sintieran el corazón en el puño en determinadas escenas. Siendo más agresiva, potente y visualmente visceral que el resto, Condon hace que el momento decisivo de la historia entre Edward y Bella sea no sólo lo que los fans esperaba, sino que va más allá y consigue meterse al gran público en el bolsillo. Podemos decir que en ese sentido la película hace las delicias de todos los que vayan a verla.

Respaldamos pues, que Amanecer Parte II presenta una diferencia abismal en calidad respecto a sus predecesoras. Basándonos en las historias literarias, Amanecer es la más densa de todas y sin embargo, cuando atraviesa la pantalla, consigue que el fan, el espectador, el padre, la madre, la hija (sobre todo la hija) y hasta la abuela me apuro a decir, sientan que la historia conecta con ellos: salta la chispa, emociona.  Esto es algo que desde nuestro punto de vista, no había ocurrido con las anteriores (si exceptuamos el criterio de los fans más fervientes). Amanecer parte II consta, al contrario de sus predecesoras, de tensión, emoción contenida, humor y ritmos hasta el momento poco presentes y muy mejorados. Bill Condon, que ya se encargó de firmar la anterior entrega, con un pequeño giro de guión (que no altera en absoluto el final de la historia) hace que el film gane en todos sus aspectos, convirtiendo lo que podría ser un final predecible y poco emocionante, en uno totalmente inesperado, épico y además, fiel al libro. En definitiva, hace las delicias de los fans pero lo más importante de todo: hace que el público ajeno al fenómeno también disfrute en la butaca.

Aún así, no podemos olvidar que esta saga nunca tendrá el apoyo de los cinéfilos más exigentes, a no ser que se de el caso ser una de esas perversiones cinéfilas que todo espectador se permite en secreto. Vemos constantes estilísticas, una historia que conforma avanza, deja cabos sin atar y diálogos edulcorados hasta la saciedad y que por supuesto no hacen más que ensalzar la visión conservadora de las relaciones personales por parte de la autora, en línea a sus creencias mormonas (opinión ya expuesta en la entrada correspondiente a Amanecer parte I). Su segunda parte y la culminación de la saga es probablemente la mejor entrega de la historia de amor entre Edward y Bella, y aunque el espectador debe saber en qué se gasta su dinero cuando va al cine, desde Tiffanys aseguramos que un buen rato está asegurado. Eso sí: para los que estén dispuestos a despojarse de sus prejuicios antes de entrar.

Pongánse al día con los films si están interesados en saber cómo termina el culebrón. Con Amanecer Parte II culmina un éxito en taquilla, una historia fílmica que pasará a la historia en muchos de sus aspectos, que como hemos dicho, ya se sitúa en los índices más altos de rentabilidad en Estados Unidos. Una historia que ha levantado pasiones desde el día que vio la luz; una historia que ha creado un movimiento que va más allá de la concepción del fan. Es más, no culmina solo una historia, esa que sin duda todos y cada uno de los seguidores recordarán para siempre. Es el fin de un fenómeno.

Aquí el trailer: