Análisis: Ben Stiller en Twitter

Siguiendo con los análisis, nos centramos ahora en el perfil oficial (y personal) del actor, cómico, productor y director estadounidense Ben Stiller, cuya cuenta es @RedHourBen. Por la popularidad de este personaje público hemos tenido problemas para utilizar algunas herramientas de análisis, puesto que sobrepasa su capacidad de lectura de datos.

1. Influencia:
Al analizar el nombre de la cuenta en twittergrader vemos que Ben Stiller tiene un grade del 100%, propio de un actor tan conocido a nivel internacional. Cuenta actualmente con 3.583.457 seguidores y sigue a 146 cuentas de Twitter. Observamos un total de 1.396 tweets enviados en el momento del análisis.

Además podemos encontrar más información en Twitalyzer, que nos ofrece información acerca de los temas de los que habla: educación, pintura, ciclismo, cine, celebrities, películas, vehículos ecológicos, arte contemporáneo, medios de comunicación... No solamente podemos encontrar esto, sino que esta herramienta nos ofrece el siguiente gráfico:

2. Estadísticas:
Utilizando TweetStats podemos acceder a la información en forma de gráficos. Comprobamos que su actividad en Twitter ha decaído desde Junio de 2011, teniendo una media actual de 2,5 tweets al día y 34 al mes. Su actividad presenta su punto álgido entre julio de 2009 y enero de 2011. Desde entonces fue decayendo hasta apenas alcanzar el 50% de sus publicaciones anteriores.

Además, podemos ver que el horario para twittear de Ben Stiller es mucho más errático que el de la marca Pixar (seguramente por ser una cuenta más personal), aunque suele concentrar su actividad desde las 12am hasta las 8pm, y desde el mediodía hasta más tarde de las 8pm.

Por otra parte, al comprobar su cuenta mediante TweetReach obtenemos los siguientes resultados:

3. Gestión de la cuenta:
Debido a lo popular que es este actor no hemos logrado analizarla aunque la henos intentado estudiar con varias herramientas gratuitas, como es el caso de Twitterless o Friend or Follow... por lo que ocurre lo mismo que con @Disney Pixar.

Análisis: Pixar en Twitter

Beatriz Vera 

Sara Barbé

Ester Morell 

Para el análisis de las cuentas de Twitter de una marca establecida en el mercado y un personaje público reconocido, hemos elegido relacionarlas con la sección del blog "Arte y Animación". Con el fin de que este análisis sea acorde con las críticas de películas que hacemos en "UN RINCÓN COMO TIFFANY'S" hemos escogido la marca americana "Pixar Animations Studio" cuya cuenta oficial es @DisneyPixar. En cuando al personaje, hemos elegido al actor, productor, cómico y director americano Ben Stiller, cuya cuenta oficial es @RedHourBen. 

ANÁLISIS DE LA MARCA

Esta decisión, además, ha sido motivada por la necesidad de escoger una marca conocida a nivel internacional, que contase con películas de éxito que puedan atraer la atención suficiente como para ser interesante en un blog, y una gran difusión entre los jóvenes y adolescentes. Por todo ello, esta empresa perteneciente a Disney ha sido la elegida para realizar el informe de influencia, estadísticas, información y gestión de la cuenta.

1. Influencia:
Al analizar el nombre de la cuenta en twittergrader nos aparece un Grade del 100%, por lo que los resultados no podrían ser mejores para la marca. Pixar tiene (en este momento) 2.320.822 seguidores, mientras que sigue solamente a 108. Cuenta con un total de 1.571 tweets publicados en el momento del análisis.

Además, al analizarla con Twitayzer obtenemos la siguiente información:

2. Estadísticas:
Analizando la cuenta de Pixar con Tweetstats, que muestra las estadísticas de mensajes de la cuenta, encontramos (entre otros) el siguiente gráfico. Así comprobamos que esta marca publica una media de 1.7 tweets al día, y 38 tweets al mes.

Además, también podemos encontrar con esta misma herramienta un gráfico en el que se analizan los tweets enviados según el día de la semana y la hora de publicación. Vemos que todos los días Pixar twitea fundamentalmente a las 12am y en torno a las 6pm.

Por otra parte, al utilizar TweetReach obtenemos los siguientes resultados:
     

3. Gestión de la cuenta:
Debido a la inmensa popularidad de esta cuenta, no nos ha sido posible analizarla con las herramientas gratuitas para recabar esta información, como es el caso de Twitterless o Friend or Follow.

Álex de la Iglesia, Kike Maíllo y El Deseo análisis de sus twiters

Desde Un rincón como Tíffany's hemos querido hacer un pequeño análisis de las cuentas de Twitter de dos grandes cineastas, Álex de la Iglesia y Kike Maíllo, y de la productora de Pedro Almodóbar, El Deseo. Estas herramientas nos han permitido analizar las visitas de una manera sencilla y muy eficiente.

En primer lugar hablaremos de Álex de la Iglésia. En el siguiente gráfico podemos observar la actividad de su twitter de enero de este año hasta octubre. Alex mantiene una gran actividad en su twiter, llegando a publicar alrededor de unos 320 twits por mes. También se observa una tendencia decreciente en los últimos meses, no obstante, advertimos que es una actividad notable.

El Juego de Ender

Adivina quién viene a cenar esta noche: Una pequeña diferencia de pigmentación

Quien iba a decirle a la sociedad de los años 60 que un negro llegaría a ocupar la Casa Blanca en un futuro muy próximo. Para nosotros eso hoy en día es una realidad con la que vivimos y aceptamos sin problemas; sin embargo y muy a nuestro pesar, a muchos otros les afectó de forma negativa y aún sigue siendo así: los prejuicios son los sentimientos más perecederos en el ser humano. Así nos lo cuentan en Adivina quien viene a cenar esta noche.

• Año: 1967
• Duración: 108 minutos
• Director: Stanley Kramer
• Guión: William Rose
• Música: Frank DeVol
• Fotografía: Sam Leavitt
• Reparto: Spencer Tracy, Sidney Poitier, Katharine Hepburn, Katharine Houghton, Cecil Kellaway, Beah Richards, Roy Glenn, Isabel Sandford, Virginia Christie, Alexandra Hay, Barbara Randolph

Tal y como le pasaba a Matt Drayton (Spencer Tracy), el padre y principal afectado de la película. Este caballero tiene que afrontar en un mismo día la noticia de que su hija se ha enamorado, se va a casar, se marcha con él y que además, es negro. Nunca podríamos imaginar que en un individuo de su condición, liberal hasta la médula y ateo sin remedio, pudieran florecer tales prejuicios. Parece que ansía la felicidad de su hija, pero no de ese modo. Al contrario que su esposa. Christina Drayton (Hepburn), una mujer formada, con carácter y de inteligencia desbordante, tampoco esconde su asombro ante la noticia, sin embargo, poco tarda en deshacerse de esos tapujos que admite, no le dejan ver la realidad: su hija está realmente enamorada y eso es lo que importa.

Isabel Sandford como Tillie, la criada.

Si seguimos en la dinámica de reacciones inesperadas y por muy contradictorio que parezca, en este film se trata el tema del racismo de una forma muy curiosa. Podríamos llegar a entender la sorpresa de los padres como normal, teniendo en cuenta la época y sus concretas circunstancias. Sin embargo, lo que más llama la atención es que la criada, también negra, es probablemente la persona más reacia a que la relación y la boda se lleven a cabo: “como le hagas daño a esa criatura te vas a enterar de lo que es el verdadero poder negro” le espeta en un determinado momento. Y es que es paradójico ver cómo una persona que teóricamente debería sensibilizarse más con el tema, es la más contraria al mismo. Pensar que cada uno debería permanecer en su sitio era una posición que muchos adoptaban. En base a eso, añadir que los propios actores de la película, tuvieron que sufrir en carnes cómo se les rechazaba, abucheaba y maltrataba por el simple  hecho de escoger filmar una película que retratase la cruda situación del pueblo americano en los años 60. Estrenada en el 67, y en relación con lo que se comenta, podemos ver una vez más cómo el tema del racismo en Estados Unidos fue un lastre que arrastrar durante mucho tiempo; una dura realidad que muchos sufrieron como víctimas principales y otros muchos como defensores, como el reparto de esta película, que decidió contarlo y hacerlo ver como un problema que no tenía por qué existir, o una lucha que no tenía porque librarse.

Porque John Prentice, el pretendiente en cuestión, no era ninguna persona de la que debería esperarse algo malo: un hombre importante, muy formado y con ideas y convicciones muy claras; así nos lo hace saber la enamorada y así lo aprecian todos desde el primer instante en el que entablan conversación con él. Cauteloso y respetuoso en las decisiones que toma, plantea a los patriarcas lo que supone el dilema principal de la película: que sólo se casará con su hija si ellos lo aceptan sin ninguna objeción. A partir de este momento el peso de esta historia recae sin duda en el padre, que se debate entre lo que puede ser la decisión correcta o incorrecta, la mejor o peor para su hija. Un personaje que incluso el espectador podría tachar de hipócrita al no aceptar una situación que en base a sus ideas liberales no debería siquiera considerar. Un personaje que incluso es rechazado por sus más allegados por no secundar la decisión de su hija. Vemos un hombre cegado por sus prejuicios, pues ellos son el clavo ardiendo al que se aferra con tal de esconder su verdadero miedo: su miedo a las consecuencias de esa decisión, su miedo al futuro de su hija, su miedo a desprenderse de su pequeña que se casa, les deja y forma su propia vida.

Porque al fin y al cabo, no tiene miedo de la persona con la que se casa su hija, ni del color de su piel, sino de las personas que como él, puedan ser incapaces de ver que lo que prevalece sobre el color, son los sentimientos; porque al fin y al cabo, el miedo es el sentimiento más común entre las personas. Porque eso es de lo que trata realmente esta historia: que los prejuicios no son los protagonistas de las actitudes y reacciones de los personajes, sino los miedos, los miedos que se esconden bajo la tendencia racista. Miedo de lo que supondría una decisión de tal calibre para su hija, pues como bien se afirma en el film “ellos son los que cambiarán el mundo y lo harán un lugar mejor”. Pues al fin y al cabo en palabras de Matt Drayton: “solo os diferencia un pequeño problema de pigmentación”.

Vuelven (por Navidad) Les misérables

Bueno, nos permitimos el lujo de elaborar este post. Les miseràbles (Los miserables) vuelve a los cines por segunda vez y como su fecha de estreno está cerquita, hemos decidido contextualizaros un poquito sobre la misma. Este post se ha elaborado a través de Storify, una red social que como veréis da una gran cantidad de posibilidades a la hora de interractuar con diferentes redes sociales al mismo tiempo: 

http://storify.com/barbegaray/el-regreso-de-los-miserables

Sin embargo, hemos decidido postarlo como podéis observar a continuación. Esperamos que os guste.

Los Miserables, la obra cumbre del escritor, poeta y político francés Victor Hugo de éxito internacional vuelve a través de la gran pantalla. El director Tom Hooper es el encargado de rescatar la obra con un reparto de lujo: Anne Hattaway, Rusell Crowe y Hugh Jackman. Aquí el trailer:

Poster de la película 2012

La obra

Como sabemos, la obra literaria plantea a través de su argumento un razonamiento sobre el bien y el mal, sobre la ley, la política, la ética, la justicia y la religión. Para crear los dos personajes principales el autor confesó inspirarse en Vidocq, un criminal francés que al redimirse acabó inaugurando la Policía Nacional Francesa. De fuerte crítica, el autor admitió haberse inspirado en la Francia de su tiempo para configurar una historia que relata la Rebelión de junio (1832), la llamada restauración monárquica (entre 1815 y 1848) junto con las revoluciones de 1830 y 1848 que contagiaron a toda Europa con los posteriores cambios políticos. Con claras referencias en contra de la pena de muerte, esta obra se destaca por la clara estereotipación de sus personajes que bien reflejan la cruda realidad del contexto histórico.

El autor: Victor Hugo

(Besançon, Francia, 1802 - París, 1885) Escritor francés. La infancia de Victor Hugo transcurrió en Besançon, salvo dos años (1811-1812) en que residió con su familia en Madrid, donde su padre había sido nombrado comandante general. De temprana vocación literaria, ya en 1816 escribió en un cuaderno escolar: «Quiero ser Chateaubriand o nada».












Apuntes generales:

• Es considerado el jefe de las filas del Romanticismo
• Virtuosismo evidenciado por primera vez en su obra Las Orientales (1829) 
• Hizo su aparición en la escena teatral con Hernani (1830), obra maestra que triunfó en la Comédie Française. 
• En 1841 ingresó en la Academia Francesa pero, desanimado por el rotundo fracaso de Los burgraves, abandonó el teatro en 1843.

Entregado a la actividad política:

Pese a presentarse a las elecciones de 1848 en apoyo de la candidatura de Luis Napoleón Bonaparte, sus discursos sobre la miseria, los asuntos de Roma y la ley Falloux anticiparon su ruptura con el Partido Conservador. El 17 de julio de 1851 denunció las ambiciones dictatoriales de Luis Napoleón y, tras el golpe de Estado, huyó a Bélgica. Si bien es cierto que no publicó ninguna obra entre 1843 y 1851, concibió su novela Los miserables y compuso numerosos poemas que aparecieron posteriormente.



De su exilio de 20 años nacieron:

• Los castigos un conjunto de poesías satíricas,
• La trilogía El fin de Satán
• Dios y La leyenda de los siglos, ejemplo de poesía filosófica, en la que traza el camino de la humanidad hacia la verdad y el bien desde la época bíblica hasta su tiempo.
• Y finalmente Los miserables, denuncia de la situación de las clases más humildes.

De vuelta a París, tras la caída de Napoleón III (1870), Victor Hugo fue aclamado públicamente y elegido diputado. A su muerte, en 1885, el gobierno francés decretó un día de luto nacional y sus restos fueron trasladados al Panteón. A día de hoy es considerado como uno de los mayores poetas franceses de la historia.

Les Misérables y su paso por los escenarios

Si bien tuvo una gran repercusión a nviel literario, esta obra ha traspasado el papel para hacerse de carne y hueso: En 1980 se estrena por primera vez en París. Con una banda sonora compuesta por Claude-Michel Schönberg y letras escritas por Alan Boublil y Jean-Marc Natel, la trama es fiel a la historia de Hugo: la lucha de varios personajes por conseguir la redención y la revolución.

Posteriormente se inauguró en el Barbican Centre de Londres, Inglaterra ya en octubre de 1985. Los datos ratifican la obra como:

- El segundo musical con mayor duración de la historia después de The Fantasticks
- El segundo más antiguo del West End después de La Ratonera
- El tercero de más larga duración en la historia del espectáculo de Broadway.

En enero de 2010, representó su diezmilésima actuación en el Queen's Theatre de West End de Londres. Para dar fin a este atípico post, os dejo una de las canciones más representadas de este musical a modo de concierto como motivo de celebración del 25 aniversario de la obra:

Irene Escolar: "No podría vivir sin el teatro"

Esto es lo que asegura Irene Escolar, una de las protagonistas de la obra teatral 'De ratones y hombres' que está de gira por España y hace su respectiva parada en Valencia. Con ella hablamos de política, cultura y sobre todo, de teatro.

El ambiente es tranquilo, distendido. Entre los presentes, nadie espera a Irene como la persona que cruza el umbral de la puerta: con vestimenta cómoda pero bien abrigada, se presenta ante nosotros serena y tranquila: su frescura hace que de repente, la poca tensión que pudiera haber en el ambiente, se esfumara. Asegura ser la primera vez que hace algo así. Con tan solo 24 años esta actriz procedente de una estirpe de ilustrísimos actores en España, ya ha sido galardonada con el premio Ojo Crítico a la mejor actriz de teatro 2011. Hemos tenido la oportunidad de hablar de la obra, del trabajo del actor y de las cuestiones que afectan bien de cerca a la cultura española.

‘De ratones y hombres’ es la obra homónima de Steinbeck y una de las más representadas de los tiempos; ahora Irene tiene la oportunidad de hacerlo a cargo de Miguel de Arco. Con 75 representaciones a las espaldas y un éxito apabullante la joven actriz afirma que en el mundo del teatro, con cada nueva representación se forja "una nueva oportunidad de mejorar y llegar al público" y continua afirmando la dificultad de la tarea: “tienes que mantener eso vivo cuando lo repites cada día. Hay una partitura que tienes que seguir, pero has de intentar que cada día, según estés tu, cómo te sientas y demás, sea diferente”.

Coincide con nosotros en que es una obra de sueños truncados. Su personaje también lo sufre: “Quiere salir de ahí, quiere ser actriz, soñar, pero el entorno se lo impide completamente”. Pese a ser la única mujer descrita en la obra, su presencia es clave para el desarrollo de la misma. En lo que respecta a la construcción del personaje afirma que es muy complejo, “probablemente uno de los mas complejos que haya intepretado”, defiende. También nos habla de lo difícil que fue actuar ante el público valenciano "se notaba un silencio imponente, sin duda signo de que te están escuchando; es todo un reto: un espectáculo emocionante, en vivo".

Y así continúa: “El teatro implica dejarse la vida en cada representación”. Trabajadora incansable afirma que en esta ocasión “contar con la ayuda de Miguel de Arco ha sido una suerte”. Ahora bien, si tuviéramos que hablar de Irene Escolar como persona, hablaríamos de una mujer con las ideas claras y de una inteligencia que asusta. Cuando ha de hablar sobre la cultura en España lo tiene claro: "está tomando un camino equivocado". La actriz, que tuvo que vivir en carnes cómo el mismo día del estreno en Valencia, su obra competía con un partido de fútbol, se resigna y afirma “no poder luchar contra eso”. Ahora bien, sin tapujos defiende: “es un factor educacional: en España no se está educando para valorar la cultura" 

Entre las cámaras y los escenarios

Aunque incide constantemente en la ardua tarea del actor de teatro, su trabajo en el cine es encomiable para su corta edad; así, conversamos sobre lo diferente que puede ser el trabajo actoral según el medio en el que se trabaje. Con transparencia absoluta defiende que para el teatro se necesita “una técnica brutal. Es muy complicado. En el cine puedes conectar con la emoción de forma más fácil: a través de un plano, un sonido. En el teatro es más complejo, tu interpretación depende de ti”.

Si le decimos que elija, se muestra indecisa: “Soy una cinéfila empedernida, pero el teatro es algo maravilloso”. “Tu tienes un plano muy corto y puedes jugar con eso, en el teatro es imposible: el espectador del fondo no me ve los ojos” continúa. Aún así, nos habla de la experiencia ante las cámaras, y afirma que repetir las tomas en el cine: “para una actriz de teatro como yo es un lujo”.

Comenta haber hecho los mejores personajes en el teatro y es cuando de forma inconfundible advertimos su amor por las tablas. Cuando le preguntamos sobre sus deseos interpretativos nos comenta de forma entusiasta “¡Haría muchísimos! Haría de Laura en El zoo de cristal de Irina en Las hermanas de Chejov con treinta años haría de Ana Christie…” soñadora empedernida, advertimos. Afirma tenerlo todo pensado y cuando termine la gira con ‘De ratones y hombres’ podremos verla de nuevo en la gran pantalla en la producción de Santiago Tabernero: Presentimientos, prevista para el 2012. Irene Escolar es la muestra de que el apellido pesa pero para bien, pues desde el momento en el que toma asiento, hace ver que disfruta y ama lo que hace “No podría vivir sin hacer teatro”.

Amanecer Parte II: El fin de un fenómeno

Todo comenzó allá por el no muy lejano 2005. Stephenie Meyer (Harthford, Conneticut), publica su primer libro: Crepúsculo (Twilight). Probablemente ni ella misma podría imaginar lo que significaría escribir acerca de una historia de amor poco convencional: la de una humana y un vampiro. Traducido a 37 idiomas con más de 25 millones de copias vendidas, la historia de Bella y Edward se alargaría a lo largo de 3 libros más (Luna Nueva, Eclipse y Amanecer respectivamente) para acabar catalogados como una de las sagas de literatura juvenil-adolescente más exitosas a día de hoy.

El salto a la gran pantalla

Ya en 2008 fue cuando el primer capítulo de esta historia (Crepúsculo) fue llevado a los cines de la mano de Catherine Hardwick: el fenómeno no hacía más que crecer y la cosa no había hecho más que empezar. El film se presentó con una austera producción de ambiente intimista y romántico muy fiel a la novela, que consiguió embolsarse un total de 383.520.177 dólares en salas de cine de todo el mundo y otros 163714021 dólares en posteriores ventas de DVD en Norteamérica. Se había marcado el pistoletazo de salida: la continuación de la saga vampírica Luna Nueva, se estrenó un año después. Hasta nuestros más recientes días y concretamente el pasado 16 de noviembre se estrenó la última entrega que culmina con la    apabullantemente exitosa saga de vampiros; con Amanecer parte II (se decidió partir la historia en dos filmes debido a la extensión del libro), se da por finalizada la historia entre Edward Cullen y Bella Swan, una historia de que el amor puede ser, literalmente hablando, para siempre.


Siguiendo la estela de la saga Harry Potter, Crepúsculo es sin duda otro de los ejemplos de la cultura fan actual más significativos que se conocen hasta el momento. Con un total de 5 filmes y consecutivos éxitos en taquilla, su última entrega se ha convertido en la octava película más rentable de la historia estadounidense con 101,06 millones de dólares recaudados en su primer fin de semana, y 9 millones de euros en los cines españoles. Stephenie Meyer, convertida de simple autora de la obra a productora de las dos últimas entregas se guarda un as bajo la manga: The Host, otra adaptación de su última novela esta vez, de ciencia ficción.


Amanecer parte II: El fin de un fenómeno



- Título: Amanecer parte II
- Director: Bill Condon
- Reparto: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner
- Género: Acción, romántica
- Fecha de estreno: 16 noviembre de 2012
- Sinopsis: Bella debatiéndose entre la vida y la muerte, queda convertida en vampiro para poder dar a luz a su bebé y sobrevivir. Tras mantener la promesa de ser inmortal ante los Volturi, se corre la voz sobre la existencia de un posible niño inmortal, algo castigado con la muerte y que hará que el clan Cullen deba librar la batalla de su vida.



Es una de las películas más esperadas del año. Los dólares recaudados en taquilla hablan por sí solos y es que Amanecer Parte II no es otra película más de la saga de vampiros más éxitosa de todos los tiempos, sino que es el final de la misma: todo acaba aquí.

Si el lector no está acostumbrado a acudir a las sesiones del día de estreno de este tipo de films, se está perdiendo todo un espectáculo, incluso puede que muchos sin saberlo, se hayan lanzado a hacerlo y hayan salido escarmentados...o encantados. Siendo la última entrega de la saga que levanta más pasiones que emociones, la salas de cine se convierte en un hervidero de hormonas en los que el público adolescente ocupa casi el 80% de las butacas. No obstante, para mi sorpresa observé que en las colas previas se podían encontrar públicos de todo tipo: parejas, matrimonios, grupos de amigas. La saga ha conseguido llegar a un amplio abanico de edades. Todos tenían algo en común: iban a ver el desenlace de la historia más esperada del año.

Amanecer Parte II dista mucho de las anteriores entregas de la saga. Partíamos de unos films con unos tempos soporíferos en los que el romanticismo y unas dosis de acción bastante reducidas (por no decir inexistentes), eran las constantes y por tanto, simpatizaba con los fans y poco más. Con cada entrega, los directores encargados de adaptarlas le aportaron su más personal visión estética (ojo, no hablo de estilo), haciendo de cada pieza una obra única pero que tomaba como punto de partida la anterior. En Amanecer parte II (al igual que en su anterior entrega) Bill Condon consigue algo que, bajo nuestro parecer, los otros directores no consiguieron: que tanto los fans más fieles a la saga como el público más imparcial, sintieran el corazón en el puño en determinadas escenas. Siendo más agresiva, potente y visualmente visceral que el resto, Condon hace que el momento decisivo de la historia entre Edward y Bella sea no sólo lo que los fans esperaba, sino que va más allá y consigue meterse al gran público en el bolsillo. Podemos decir que en ese sentido la película hace las delicias de todos los que vayan a verla.

Respaldamos pues, que Amanecer Parte II presenta una diferencia abismal en calidad respecto a sus predecesoras. Basándonos en las historias literarias, Amanecer es la más densa de todas y sin embargo, cuando atraviesa la pantalla, consigue que el fan, el espectador, el padre, la madre, la hija (sobre todo la hija) y hasta la abuela me apuro a decir, sientan que la historia conecta con ellos: salta la chispa, emociona.  Esto es algo que desde nuestro punto de vista, no había ocurrido con las anteriores (si exceptuamos el criterio de los fans más fervientes). Amanecer parte II consta, al contrario de sus predecesoras, de tensión, emoción contenida, humor y ritmos hasta el momento poco presentes y muy mejorados. Bill Condon, que ya se encargó de firmar la anterior entrega, con un pequeño giro de guión (que no altera en absoluto el final de la historia) hace que el film gane en todos sus aspectos, convirtiendo lo que podría ser un final predecible y poco emocionante, en uno totalmente inesperado, épico y además, fiel al libro. En definitiva, hace las delicias de los fans pero lo más importante de todo: hace que el público ajeno al fenómeno también disfrute en la butaca.

Aún así, no podemos olvidar que esta saga nunca tendrá el apoyo de los cinéfilos más exigentes, a no ser que se de el caso ser una de esas perversiones cinéfilas que todo espectador se permite en secreto. Vemos constantes estilísticas, una historia que conforma avanza, deja cabos sin atar y diálogos edulcorados hasta la saciedad y que por supuesto no hacen más que ensalzar la visión conservadora de las relaciones personales por parte de la autora, en línea a sus creencias mormonas (opinión ya expuesta en la entrada correspondiente a Amanecer parte I). Su segunda parte y la culminación de la saga es probablemente la mejor entrega de la historia de amor entre Edward y Bella, y aunque el espectador debe saber en qué se gasta su dinero cuando va al cine, desde Tiffanys aseguramos que un buen rato está asegurado. Eso sí: para los que estén dispuestos a despojarse de sus prejuicios antes de entrar.

Pongánse al día con los films si están interesados en saber cómo termina el culebrón. Con Amanecer Parte II culmina un éxito en taquilla, una historia fílmica que pasará a la historia en muchos de sus aspectos, que como hemos dicho, ya se sitúa en los índices más altos de rentabilidad en Estados Unidos. Una historia que ha levantado pasiones desde el día que vio la luz; una historia que ha creado un movimiento que va más allá de la concepción del fan. Es más, no culmina solo una historia, esa que sin duda todos y cada uno de los seguidores recordarán para siempre. Es el fin de un fenómeno.

Aquí el trailer:

Los directores y sus actores fetiches: tándems de éxito

Esta semana os traemos una entra muy divertida: el ránking de los actores que más veces han trabajado con sus directores. El tándem director-actor se ha dado muy a menudo en la historia del cine y se hereda hasta nuestros días y es que cuando hay química, hay química. Así, hemos elaborado esta pequeña clasificación sobre las parejas profesionales que mejor han funcionado o que más éxitos haya traído consigo. 

¡Disfrutadlo y no os olvidéis de comentarnos!

1. John Ford y John Wayne

A partir de 1928, John Wayne aparecería en más de 20 películas de John Ford, entre ellas La diligencia , She Wore a Yellow Ribbon , Un hombre tranquilo , The Searchers, The Wings of Eagles y El hombre que mató a Liberty Valance. Una pareja que merece el número uno.

2. Billy Wilder y Jack Lemmon

Una pareja que sin duda hizo, y hoy en día aún lo consiguen, que se nos desencaje la mandíbula a carcajada limpia. Con faldas y a lo loco, Irma la dulce, Buddy Buddy o la mítica El apartamento son auténticas obras de arte gracias a su ineludible química. Los adoramos.

3. Tim Burton y Johnny Depp:
Excentricidad y originalidad por partida doble

Con un total de ocho películas, esta pareja conforma el tándem rarito por excelencia de Hollywood. Comenzaron con Eduardo Manostijeras para llegar hasta la reciente Sombras Tenebrosas; ingenio, originalidad y excentricidad son sus señas de identidad.

4. Woody Allen y Diane Keaton

Relación fructífera

Sin duda una pareja peculiar que nos gustaría resaltar. Allen, tal vez con demasiada frecuencia ha tenido musas a la hora de trabajar y Diane Keaton ha sido la que ha brillado por serlo. Días de Radio, misterioso asesinato en Manhattan, 'A nervous romance, Tócala otra vez, Sam o Annie Hall son solo unos pocos de los títulos que han dado lugar esta fructífera pareja. Johansson, lo sentimos pero Keaton, es mucho Keaton.

5. Jean Luc-Godard y Anna Karina:

El concepto de musa personificado

Banda a parte, Vivre sa vie, o Lemy contra Alphaville, Anna Karina es la musa ineludible y símbolo de la Nouvelle Vague, esta modelo conquistó el corazón del director francés con el que estuvo casada. Sin duda uno de nuestras parejas favoritas.

6. Pedro Almodóvar y Penélope Cruz:

Éxito con sabor español

Esta pareja nunca se ha separado. Almodóvar siempre la tiene en cuenta para sus producciones, y aunque últimamente la actriz se haya internacionalizado, se lo debe todo al director manchego.

7. Joe Wright y Keira Knightley

Clase británica

El dúo británico trabaja muy a gusto y ello se refleja en la pantalla. La sensibilidad visual del director unido a la versatilidad y talento en potencia de Knightley, son los culpables de que nos dejaran films como 'Orgullo y Prejuicio', 'Expiación' o la próxima 'Ana Karerina'.

8. Ridley Scott y Russell Crowe:

Una combinación trepidante

Gladiator, Un buen año, American Gangster, Red de mentiras o la última versión de Robin Hood son el resultado de este implacable dúo.

9. Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio: 
La química italoamericana

Con 'Infiltrados' o 'El Aviador' son una muestra de que el director italoamericano se entiende con DiCaprio.

10. Los hermanos Coen y George Clooney:

Humor con personalidad

Oh Brother o Quemar después de leer son piezas que han sacado a relucir el talento los hermanos y que sin duda han constatado la faceta más divertida de George Clooney. Sin duda un reciente descubrimiento.

FRANKENWEENIE: el regreso de Tim Burton

Tim Burton vuelve a la gran pantalla (y se reencuentra consigo mismo) con una historia triste y conmovedora: Frankenweenie. Hacía tiempo que parecía que el afamado director había perdido su chispa, pues con las últimas películas -como Alicia en el País de las Maravillas o Sombras Tenebrosas- se había entregado a una serie de trabajos donde su creatividad y talento quedaban en un segundo plano. Pero con esta nueva obra de animación vemos volver de su tumba no sólo al protagonista perruno, sino al espíritu melancólico que caracteriza los trabajos de este icono del cine actual.

-          TÍTULO ORIGINAL: Frankenweenie

-          AÑO: 2012

-          DURACIÓN: 87

-          GUIÓN: John August (Historia: Tim Burton, Leonard Ripps)

-          MÚSICA: Danny Elfman

-          FOTOGRAFÍA: Peter Sorg

-          PRODUCTORA: Walt Disney Pictures/ Tim Burton Animation Co.

Con una clarísima referencia a la obra “Frankenstein” de Mary Shelley, Tim Burton nos presenta la historia de un niño introvertido e inadaptado, Victor, que no tiene más amigos que su fiel perro Sparky. El joven protagonista adora a su mascota,  y sólo se separa de él para ir al colegio. Pero una tarde sucede el trágico suceso: durante un partido de béisbol, Sparky sale persiguiendo la pelota y es atropellado por un coche. Victor tendrá que afrontar la pérdida de su mejor amigo… ¿o no?  Y es que, gracias a  la inspiración de su excéntrico profesor de ciencias, el niño encuentra la manera de traer de vuelta a su perro del mundo de los muertos. Es entonces cuando, verdaderamente, empiezan sus problemas: controlar a un perro zombie (por muy educado que esté) no es tarea fácil.

Tim Burton recupera así la historia de su cortometraje homónimo que realizó en 1984, y regresa a la  estética gótica de sus primeros trabajos: no solamente destaca sobre otras películas de animación que utilice el blanco y negro para contar su historia, sino que vuelve al tradicional “stop-motion”. Espirales interminables, grandes ojeras, sombras que acechan, personajes pálidos de ojos enormes y seres de más allá de la Laguna Estigia... todo nos indica que estamos de nuevo ante una clásica película de este director. Además, la animación y movimientos, idénticos a los de la mítica  Pesadilla Antes de Navidad, no hacen más que acentuar el sentimiento de melancolía del argumento. Además, la película está repleta de guiños al cine de terror clásico, y podemos reconocer claramente referencias a Frankenstein, La Momia, Nosferatu o incluso Godzilla y Los Gremlins. 

Sin embargo, parece que Frankenweenie dista mucho de ser una gran obra maestra: personalmente, aunque el argumento da para hacer una obra mucho más ingeniosa y capaz de asombrar al espectador, me ha parecido una película insulsa y facilona que se queda en la superficie del tema que trata. En lugar de ahondar un poco en la temática y conseguir que el espectador se identifique con los personajes, Frankenweenie se convierte en una sucesión de guiños y referencias sin sentido con una trama que empeora conforme avanza el filme. Parece que ni en EEUU ni en España ha logrado conquistar a la sala, pues cada vez es más evidente que el Burton ingenioso que nos brindó películas como Eduardo Manostijeras se ha convertido en una sombra de sí mismo y solamente ofrece ideas recicladas.

Lo Mejor:

• Algunos personajes, como el excéntrico profesor de Ciencias o la compañera de clase de Victor, que nos recuerda a una “Luna Lovegood” de pesadilla
• Animación en “Stop-Motion”. ¡Cuánto la echábamos de menos
• Cuidado diseño de los personajes y los decorados
• Guiños a películas clásicas

Lo Peor:

• Trama interesante que va perdiendo fuelle hasta hacer tediosa la película      
• No consigue entusiasmar ni que el público empalice con los personajes

Si queréis ver el cortometraje original de 1984 en el que se basa “Frankenweenie”, aquí lo tenéis. ¡Que lo disfrutéis!

Cómo entrenar a tu dragón: volando voy, volando vengo

Como sabemos que siempre hay tiempo para sentarse y ver una película, en Tiffany's no os dejamos de recomendar alguna que otra para matar esas horas de aburrimiento o pasar un buen rato. Esta semana os recomendamos 'Cómo entrenar a tu dragón', porque en Tiffany's recomendamos de todo, que hay que ser tolerantes, hombre. 'Cómo entrenar a tu dragón', una producción de DreamWorks por tanto, de animación y que desde Tiffany's nos parece digna de recomendar para los seguidores y amantes de este género.

• Títluo original: 'How to Train Your Dragon'
• Año: 2010
• Duración: 98 min.
• Dirección: Dean Deblois, Chris Sanders
• Guión: Adam F. Goldberg, Peter Tolan (Libro: Cressida Cowell)
• Música: John Powell
• Fotografía: Animation
• Productora: DreamWorks

Basada en la novela de Cressida Crowell, la historia está ambientada en una aldea vikinga, en el seno de una tribu donde Hipo y un grupo de jóvenes deben entrenarse para convertirse en auténticos guerreros y acabar así con los dragones salvajes que merodean los alrededores. Hipo sin embargo, no es como los demás y no ha desarrollado ese instinto contra los reptiles voladores: es imaginativo, trabajador y algo disperso. Así, encuentra a 'Desdentao', un dragón que sufre un accidente que le deja incapacitado para volar y al que Hipo le ayuda fabricándole un implante por sí mismo. Con su destreza comienza a fomentar un trato con los dragones hasta ahora no visto en ningún humano y una bonita amistad y letaltad mutua con 'Desdentao'. Sin embargo,  tal cosa no está bien vista entre los suyos y menos por parte del jefe de la tribu: su propio padre.

Una trama si bien muy sencilla, pero que se nos presenta de una forma muy atractiva con personajes la mar de entrañables tales como 'Desdentao'. La química entre el reptil y el protagonista de nuestra historia es infalibe y una vez más la animación por parte de DreamWorks demuestra que poco debe envidiar a Pixar. Probablemente no posea ese aura sello indiscutible de Disney, pero 'Cómo entrenar a tu dragón' es una historia que no debería perderse nadie: ni adultos ni niños. Es encantadora, entretenida, emotiva,  y deja entrever, como en cualquier película de animación los valores de la amistad, el valor, la sinceridad y la perseverancia, proporcionando además, una simpática visión de esta milenaria cultura. Además, de la mano de John Powell se consigue una banda sonora excelente que no podría irle mejor.

Si con Shrek DreamWorks hizo que se nos desencajara la mandíbula a golpe de carcajada, con 'Cómo entrenar a tu dragón', se nos presenta una fórmula casi siempre infalible que sin dejar de lado su característico sentido del humor, hace que nos emocionemos hasta el último minuto del film. Una auténtica pieza de entretenimiento que desde Tiffany's recomendamos para aquellos amantes de la animación digital.

¡Yo también quiero un Hulk!

Una no se considera gran experta de los cómics. Sí gran fan de ellos. Cuando vi la última entrega de Iron Man claramente Robert Downey Jr. desbancó a Spider-Man en el podio de super héroe favorito (se que algunos se estarán mofando cruelmente sobre esta afirmacíón. Os odio). Luego vi Capitán América y una misma quedó fascinada. Ahora bien, con la última entrega de Hulk, a Edward Norton le puse muy verde (ja, ja) y de Thor, bueno, decir que es lo más lamentable a nivel visual que he visto últimamente. La balanza estaba algo igualada. Así, poco después llegaba la noticia de que 'Los Vengadores' llegaría muy pronto al cine otra vez (se han realizado como 2 remakes incluido este), uno acude a esa gran verdad: 'o es una mierda, o es la leche'.

Pero bueno entonces...  ¿qué 'eh ehto'? se nos junta en una misma sopa La Viuda Negra, Iron Man, Thor, El Capitán América, un Hulk (muy grande y verde) y Ojo de Halcón. Vamos, que o te gustan los cómics, o has elegido la película equivocada. Como anécdota decir que el espectador sentado a mi lado NO SABÍA qué había ido a ver al cine: intuyo que no le gustó tras 500 mil resoplidos durante las dos horas y cuarto que dura la película.

No me lío: la película es MUY recomendable. Acostumbrados a ver útlimamente superhéroes bastante cutres y lamentables, y Green Lantern es un ejemplo de ello sin ir más lejos (por cierto, mi hermano me iluminó al decirme que este super héroe ES NEGRO. Me lo dice con mucha frecuencia. Está frustrado al ver a Ryan Reynolds en mayas). A lo que voy: tras ver últimamente nada excesivamente bueno dese Iron Man o Capitán América, no voy a decir que esperara mucho de esta película; pero las críticas y un padre friki que se leyó todos y cada uno de esos cómics: touché, ahí que me fui.

No podría dar muchos detalles a nivel de historia, no me considero una lectora asidua de cómics aunque ya he dicho soy amante de todas estas adaptaciones de las cuales no dudo en comprobar su fidelidad u enfoque (que un periodista tiene sus fuentes, a ver qué pasa). 'Los Vengadores de Marvel' lo es: la historia está sino bien, muy bien adaptada. Cabe decir que las historias de todos sus protagonistas se retoman en el punto exacto de sus respectivos films, lo cual facilita al lector enlazar conceptos y situaciones que, bajo mi parecer, entronca con mi idea de que es fundamental cierta continuidad en este tipo de cine. Sin embargo, no todo queda ahí: el despliegue de efectos visuales es apabullante, los diálogos son perfectos, ingeniosos, nada rebuscados, casi épicos diría... y lo que más destaco: la continuidad. Está milimetrada, no hay un solo movimiento que no esté correctamente ejecutado y enlazado con el siguiente, todo está coreografiado de tal forma que el espectador  no se pierde un solo detalle de absolutamente nada.

Alabar también el sarcasmo que tanto me gusta de los cómics de Marvel y que con tanta añoranza recordaba mi patriarca: cada uno de los personajes está impregnado de este espíritu, (con interpretaciones de los actores que lo facilitaban), mostrándole así al que está sentado en la butaca, un perfil muy completo de quién y cómo es cada super-héroe. Un elemento sin el que los cómics de Stan Lee no serían lo que son y al que por cierto, se le hace un merecidísimo homenaje aludiendo a su característico sentido del humor. Desde luego, esta adaptación de Joss Whedon ha sabido rescatar un clásico de clásicos de los Marvel. Un imprescindible.

En definitiva, una película fluida, entretenida, viva y con estilo, visualmente perfecta y sobre todo MUY divertida a la que por suerte o desgracia (para mi familia), me hizo concluir que '¡yo también quiero un Hulk!'.

¿A que es adorable?

Cuéntame un cuento...

Modas, modas y modas. Todo se resume en modas. ¿Qué definición sería la adecuada para definir dicho concepto? Bueno, he ido a lo fácil y esto es lo que nos proporciona la RAE:

1. Uso, modo o costumbre que está en boga durante algún tiempo, o en determinado país, con especialidad en los trajes, telas y adornos, principalmente los recién introducidos.
2. Seguir la que se estila, o adoptar los usos y costumbres del país o pueblo donde se reside.

Aunque inicialmente se aplica al mundo del diseño de ropa tal y como respalda la definición proporcionada, hoy en día podemos aplicarlo a lo que nos de la gana, y el cine es un ejemplo ineludible. Pero e ahí la cuestión: ¿se mueve en base a las tendencias sociales o es la sociedad la que se ve estimulada? Lo que sí que está claro es que funciona, y que cuando les da por un tema y sobre todo dentro de la gran industria de Hollywood, es imposible no explotarlo hoy en día. Fueron los piratas, luego los vampiros y ahora, van las princesas y brujas de cuentos.

Así es, en el cine nos encontramos con Mirror Mirror (Blancanieves), dirigida por Tarsem Singh y protagonizada por Lilly Collins (Blancanieves) y Julia Roberts (La bruja del reino). Una vez más, se retoma la historia de los hermanos Grimm para llevar a cabo una producción familiar, entretenida y visualmente muy correcta. De ambientes dulces, cucos y muy elegantes, esta producción se plantea como una película de aventuras a la que podrá asistir cualquier tipo de público. En este caso aparece la manzana, los enanos, el espejo y la bruja Julia Roberts (que hace de bruja, entendedme) que sin duda es un reclamo para la audiencia y que vale la pena verla sólo por ver cómo saca el genio.

Ahora bien, ya que el dinero "va que vuela" en Hollywood, antes de esta producción ya se estaba construyendo otro mundo de Blancanieves. Rupert Sanders, de la mano de los productores de Alicia en el País de las Maravillas (de Tim Burton), deciden dar un giro de tuercas a la historia y plantearla desde un punto de vista distinto. Para empezar, se llamará Snow White and the Huntsman (Blancanieves y la leyenda del cazador), y por tanto, contará la historia de cómo Blancanieves conoce al cazador y éste le perdona la vida. Esta historia verá la luz en verano, lo que significará que será seguramente uno de los taquillazos del momento. La historia se desenvolverá en un ambiente mucho más tenebroso, oscuro y misterioso, que hará las delicias de los amantes de la fantasía con unas ambientaciones fantásticas llenas de sorpresas. Tal vez por el cariz de superproducción que le representa le lleve a ganar audiencia en taquilla, sin embargo el reparto sin duda será el mayor de los motivos. Así, tenemos a Kristen Stewart que encarnará a una dulce (pero guerrera) Blancanieves, a Charlize Theron (la malvadisisisisima bruja, lo cual me entusiasma), y a Chris Hemsworth como cazador. Imanes de audiencias que sin duda son una carta de presentación excepcional. Veremos si todo queda en una bonita producción visual carente de argumento coherente o en una película entretenida y que retome este maravilloso cuento.

Pero oye, que para gustos, colores. Otra producción de temática de cuentos es protagonizada por nada más y nada menos que Maribel Verdú, que será en esta ocasión la encargada de encarnar a la bruja malvada del cuento. Comenzó su rodaje en junio es en blanco y negro, muda y con una producción obviamente más austera, Está dirigida por Pablo Brguer y nos aporta una versión del cuento de Blancanieves del todo menos corriente; Macarena García y Sofía Oria encarnarán a Blancanieves en diferentes etapas de su vida. Deja imágenes como esta:

Muchas versiones de la misma historia, y es que tal y como dice la ranchera mejicana "con dinero o sin dinero, hago siempre lo que quiero". Así pues, tal y como los directores decidieron optar por encauzar la historia de una forma o de otra, adaptándose al gusto de un espectador que esperan la reciban de buena gana, el espectador tiene el poder de ver la que más le guste. Desde Tiffany's recomendamos verlas todas... siempre alentando a un criterio razonado.

Y fueron felices y comieron perdices.

¡Hasta la próxima!