Kike Maíllo antes de ‘Eva’

El director de Eva, Kike Maíllo nació el 3 de junio de 1975 en Barcelona. Allí, en 1994 inició estudios cinematográficos en la Escuela superior de Cine y Audiovisuales de Catalunya, uno de los centros más prestigiosos del sur de Europa en esta especialidad. Tras realizar con éxito su carrera la finaliza con el cortometraje Las cabras de Freud en 1999, protagonizado por Tristán Ulloa.

Este cortometraje sorprende por su estética y su forma de contar la historia del protagonista. Tanto éste, como su padre y su abuelo, parecen tener una única cosa en común: las tres generaciones están perdidas, se encuentran solas. Este hecho lo extiende al resto de la humanidad, extrapolando que nos sentimos solos porque todos sabemos que moriremos y ese viaje lo haremos totalmente desamparados y de manera solitaria.

Por otra parte quisiera mostraros el último cortometraje de Kike Maíllo antes de Eva, con cuya película consiguió el premio de Sitges a los mejores efectos especiales. Los perros de Pavlov es un corto donde se utilizan las múltiples perspectivas para narrar la historia que envuelve a los personajes, al estilo de la película ‘Rashomon’ de Akira Kurosawa (o Pulp Fiction, que queda más cerca).

Esta historia parecerá dar un nuevo giro con cada personaje, lo que hace que a pesar de contarse un mismo hecho desde la perspectiva de diferentes personajes sorprenda y la lectura sea nueva.

Vía Celuloide Posmoderno

Vincent: Cortometraje de Tim Burton

Vincent es uno de los mejores cortos creados por Tim Burton. Para la realización contó con la ayuda de Rick Heinrichs, con el cual terminó este cortometraje en 1982. Además cuenta con la fotografía de Victor Abdalov y la música es de Ken Hinton. He de decir que mi conocimiento del citado corto llegó a través del disco de extras de Pesadilla Antes de Navidad.

En este corto se describe a un joven protagonista llamado Vincent Maloy, un niño de 7 años que está obsesionado con la figura del actor Vincent Price, actor famoso por su participación en películas de terror de bajo presupuesto.

El protagonista de este cortometraje está basado en el propio Tim Burton durante su infancia (llegando a tener hasta cierto parecido físico), que desde pequeño idolatraba a Vincent Price. El niño es descrito por la voz de un narrador, que es el auténtico Vincent Price (en la versión original), utilizando rimas que rinden claro homenaje a Edgar Allan Poe y haciendo alusión a éste último. Recomiendo su visionado en versión original, puesto que de otro modo, pierde su “gracia”.

La estética de Tim Burton la vemos presente a lo largo de todo el corto, pero lo más destacable es la capacidad que tiene el director de transformar imágenes aparentemente inocentes en oscuras y siniestras.

Vía Celuloide Posmoderno

Maxime Bruneel y Serge Gainsbourg, amigos desconocidos

Maxime Bruneel dirige un videoclip de animación de 9 minutos de duración con una de las famosas canciones del francés Serge Gainsbourg “Variations sur Marilou” reintepretada por Alain Bashung en el 2006. Una obra en la que música, letra e imagen prefieren sugerir sin llegar a lo explicito. Un trabajo en el que Maxime ha logrado calar el espíritu de la obra de Gainsbourg y Bashung en un formato animado muy bello.

En “Variatios sur Marilou” la letra del tema se base en las repeticiones de estructuras prácticamente idénticas, pero añadiendo cada vez pequeñas variaciones. Las mismas frases vuelven con regularidad, ligeramente modificadas. El video de Bruneel está constituído de manera similar a la canción que suena al mimos tiempo que vemos las imágenes.El ritmo del vídeo es lento e inusualmente largo.

Pese a estar centrado en la repetición de ciclos el vídeo consigue ser espontáneo y sorprender con su transición de imágenes, 74 de ellas basadas en animales.

La canción se encuentra a caballo entre la realidad y la ficción fantasiosa. El videoclip explora este aspecto mostrando los gestos de Marilou paralelamente con un imaginario mundo del deseo. Todo ello responde a las atrevidas palabras deBashung y Gainsbourg. El reto de Maxime Bruneel era llegar a mostrar las imágenes que trae a la cabeza la obra deGainsbourg sin llegar a los escandaloso o al mal gusto.

FOTO │ Desingcollector y Paranoias

Via Celuloide Posmoderno

Malcolm Sutherland: Umbra

Recientemente os hablé de su obra ‘The Astronomer’s Dream‘ y hoy toca darle el protagonismo a Umbra. Este cortometraje de 2010 no cuenta con el detallismo casi rococó de la anterior obra ya mencionada, sino que se deshace de todo artificio para continuar hablándonos en el plano del subconsciente. De modo que todo el corto ya no goza del ambiente detallista y recargado de ‘The Astronomer’s Dream‘, sin embargo, no por ello deja de tener un carácter marcadamente propio que hace que no se eche de menos su estética anterior. De hecho la ausencia de detalles en las formas le sienta estupendamente a lo que el autor pretende expresar.

Un explorador inquieto inspecciona un nuevo mundo plagado de aventuras, pero parece ser que el sitio es un tanto familiar. Con música de Alison Melville y Ben Grossman, y efectos de sonido creados por Leon Lo se nos ofrece descubrir a nosotros también este mundo que no es lo que parece.

Aquí os dejo el corto...

Via Celuloide Posmoderno

Malcolm Sutherland: The Astronomer’s Dream

Malcolm Sutherland es un animador e ilustrador canadiense que sobrecoge con lo intangible. Sutherland, que camina en el mundo de lo onírico, consigue atrapar con sus pequeñas maravillas toda la atención de la que uno dispone. Además de contar con un gran guión, sus obras, poseen una estética muy particular, cuidada y adictiva que se repite a lo largo de los distintos trabajos que ha ido publicando.

The Astronomer’s Dream es la obra que me gustaría comentar hoy. En esta estrambótica, recargada y singular obra damos un viaje por las estrellas impulsados por el subconsciente de un astrónomo, protagonista del corto. En este trayecto, el autor le dará un nuevo significado al “ciclo alimenticio”, trasladándola de manera… digamos imaginativa, al mundo espacial.

El corto cuenta con un estilo muy propio repleto de infinidad de detalles, sin llegar a sobrecargar los distintos elementos de los que hace gala. Haciendo de este modo que no resulte agobiante ver la ingente cantidad de pequeñas formas y texturas que forman este pequeño universo espacial.

Via Celuloide Posmoderno

Kike Maíllo y Manos de Topo

Kike Maíllo, el ganador del Goya 2012 por la mejor dirección novel con la película Eva, sorprende con una serie de videoclips realizados para la banda de música catalana 'Manos de Topo'. Este realizador y director tiene experiencia en series de televisión, en la realización de cortometrajes de los que ya os he hablando anteriormente, en videoclips y como ya se sabe con la gran pantalla con la que es su primera aportación, Eva. Hoy os traigo dos videoclips realizados en un plano secuencia cada uno donde la letra de la canción tiene su referente audivisual de forma casi poética.

El grupo 'Manos de Topo' se creó en 2003 cuando dos estudiantes de cine de la ESCAC residentes en Barcelona, Alejandro Marzoa y Miguel Angel Blanca, formaron el grupo como forma de entretenimiento. Desde sus primeras actuaciones, en fiestas de amigos y conocidos, y maquetas, ‘Ortopedias bonitas’ o ‘El primero era mejor’, parodiaron la canción clásica de amor con letras donde se hablan de fracasos amorosos.

Para darle más énfasis el cantante Miguel Ángel interpreta todos los temas con voz llorosa y desafines buscados. Debido a sus diferentes actuaciones en locales de su Barcelona natal y su autopromoción en la red social MySpace llamaron la atención de sellos de música independiente y de la crítica.

Y sin más preámbulos, aquí os dejo 2 de los videoclips dirigidos por Kike Maíllo para el grupo barcelonés:

 

Vía Celuloide Posmoderno

Birdboy

 

 Un terrible accidente de tonalidad nuclear hace que la pequeña ratoncita Dinki vea su vida profundamente cambiada en la pequeña isla donde vive con su familia y compañeros de clase. Nada volverá a ser igual desde esa fatídica mañana en la que se dirigía a la escuela junto a su padre.

 Aquí es donde entra Birdboy, el personaje que da título al corto. Este excéntrico y extraño muchacho estará directamente relacionado con la ratoncita, pues sus alas son clave para poder escapar de la nueva y macabra isla en la que residen. Este joven parece ser o bien ignorado o bien detestado por el resto de la población de la isla, tanto es así que para poder escapar de su melancólica y solitaria situación se sumergirá en el consumo de drogas para escapar, al menos mentalmente, de tan horrible lugar.

  Los responsables de 'Birdboy' son Pedro Rivero y Alberto Vázquez. El primero de ellos ha sido presidente de la Asociación Profesional de Guionistas Vascos durante 6 años, además de productor, director y coguionista del largometraje ‘La Crisis Carnívora’, que se trató ni nada más ni nada menos que de la primera película española realizada en Flash para salas de cine. Actualmente trabaja como guionista en diferentes series de animación para televisión, como autor de cómics y textos teatrales.

 Por su parte, Alberto Vázquez es ilustrador, autor de cómics y diseñador gráfico. Ha colaborado en diferentes trabajos como ilustrador para EL PAÍS y en una gran serie de revistas nacionales e internacionales. Ha publicado un total de cinco novelas gráficas, una de ellas traducida y publicada también en Francia además de en el territorio nacional.

Via Celuloide Posmoderno

Las 10 mejores películas del 2012

Acaba el año y en el cine como todos, se hace balance. Podemos decir que el 2012 ha sido un año lleno de grandes éxitos en taquilla que destacan no sólo por su virtuosismo en técnicas visuales sino también por su calidad y sus grandes historias. El buen hacer cinematográfico se palpó en el 2012 y se resume en una lista.

1. Argo

Con esta pieza Ben Affleck vuelve a estar en lo más alto. Argo es sin duda una de las películas más aclamadas de la crítica de este 2012 y por ello merece el primer premio; Affleck que ejerce de actor y director al mismo tiempo (algo a lo que ya nos tiene acostumbrados) deja constancia de que se desenvuelve muy bien en las dos facetas aunque la crítica lo valore más desde la figura de director: es la interpretación más convincente que el actor ha hecho hasta el momento.

2. Moonrise Kingdom

Se encargó de abrir la pasada edición del Festival de Cannes y es considerada por la crítica sin duda la mejor película de Wes Anderson. Es un pequeño y emotivo homenaje a la vida, a la infancia y a la aventura. Ewan McGregor y Bill Murray encabezan el reparto de un film considerado como uno de esos tesoros que sólo se encuentran muy de vez en cuando. El buen hacer cinematográfico cristaliza en Moonrise Kingdom.

3. Blancanieves de Pablo Berger

La mejor película española del año según la crítica nacional. El saber hacer cine con maúsculas: Con reminiscencias a Un Perro Andaluz de Buñuel y tal vez una ligera influencia de The Artist según las críticas recientes, esta versión del cuento (la mejor versión del año con diferencia), se consolida como el mejor film español del 2012 no sólo por su evidente calidad cinematográfica sino por ser una bonita oda a la cultura popular española.

4. El caballero oscuro: la leyenda renace (Christopher Nolan)

El mejor resultado en las salas de cine del hombre murciélago en mucho tiempo. Christopher Nolan deja huella y rescata al Caballero Oscuro de las sombras para configurar una de las mejores sagas de los últimos años. De la mano de  Christian Bale o el inamovible Michael Cain como Alfred, El caballero oscuro: la leyenda renace ha hecho las delicias de los fans del super-héroe y da por finalizada la trilogía Nolan que es sin duda la mejor cara del enmascarado.

05. La vida de Pi, Ang Lee

Casi se queda fuera por meses en su estreno. El film de Ang Lee ha llegado hasta las salas de cine de forma abrumadora: considerada como el nuevo 'Avatar' (James Cameron), este film hace las delicias de todo espectador pues se le brinda la oportunidad casi de estar ante un cuadro en movimiento: fotografía y tratamiento visual abrumadores que hacen que una historia durísima se convierta en todo un festival para los ojos.

6. Looper, Rian Johnson

Otra película que se esperaba con ansia. De la mano de Bruce Willis y el joven Joseph Gordon-Levitt esta historia de ciencia ficción con estética entre futurista y semi-western consiguió conquistar al público. Con claras referencias a obras como Matrix u Origen, Looper se gana un puesto alto en el ranking: ciencia ficción, viajes en el tiempo y discursos apocalípticos son factores que hacen que este film se encuentre entre los mejores del año, pero sobre todo por hacerlo de una forma tan original pese a tratar sobre una temática algo desgastada.

7.Shame, Steve McQueen

Sin duda una de las películas más transgresoras del año. Con un Michael Fassbender de lujo, Shame indaga en la mente de un obsesivo sexual llegando a causarnos el más absoluto pero paradójicamente atrayente desprecio hacia él. Una pieza muy preciosista de la mano de Steve McQueen que no dejó a nadie indiferente y que sin duda merece este puesto en la lista.

 

8. Skyfall, Sam Mendes

Uno de los estrenos más esperados del año y otra saga que consolida su éxito en el 2012. De la mano de Sam Mendes, Skyfall consigue estar entre las mejores películas de este año consolidando la mejor versión del super agente británico hasta el momento según los más puristas. Después del batacazo de su predecesora, Quantum of Solace, Skyfall ilustra a un James Bond impecable que hace que obtenga un merecido puesto en la lista no solo por la pieza en sí, sino también por la aportación española de Bardem siempre brillante que sin duda, ensalza la película de forma evidente.

9. Drive, Nicolas Winding Refn

A las puertas de los Oscar se quedó pero sin duda esta pieza merece mención y sobre todo, puesto en el ránking. Ryan Gosling encarna a un personaje enigmático pero a la vez siniestro que lleva una doble vida como conductor de encargo para asuntos de dudosa legalidad. Con una banda sonora brillante, Drive nos brinda desde una perspectiva ochentera una pulida puesta en escena digna de mención y sobre todo un Gosling que ofrece su mejor interpretación hasta la fecha. 

10. Intocable, Olivier Nakache

Sin duda una revelación. Basada en hechos reales una vez más el cine francés demuestra que sabe lo que hace y lo hace bien: una divertida y realmente emotiva película que nos habla de superación, confianza y amistad lleno de optimismo y fuerza por todos lados. La química entre los protagonistas y la clase que se desprende del film hace que se gane uno de los puestos del ránking por su sencillo homenaje al Carpe Diem.

Es el Coen Style

Hoy dedicamos una entrada a los inconfundibles hermanos Coen.

Productores, guionistas, productores. Los Coen son sin duda uno de los ejemplos de cómo crear estilo de una forma sencilla y sin voluntad de pretenderlo. Su cine se mueve entre unas variables muy fáciles de identificar: guiones muy elaborados, cine negro, situaciones surrealistas o personajes histriónicos. Seguro que todo esto os resulta familiar.

Pero sin duda la cuestión más importante que debemos hacernos es ¿cómo consiguen el equilibrio perfecto entre presupuesto y resultado de calidad? Sin duda en la planificación absoluta: todo está planificado al detalle: hay un buen guión, un guión técnico, un story-board elaboradísimo a raíz del cual los actores conocen todos los detalles del transcurso de los acontecimientos en el relato y de la forma más clara. Sencillamente, los planteamientos básicos para que toda obra cinematográfica funcione: trabajar desde la base.

En los Coen además, vemos constantes muy significativas: gordos gritando, perros o personajes que destacan por peculiaridades en su carácter son sin duda constantes temáticas en sus textos. Sus personajes por ejemplo, son intepretados siempre por un elenco de actores casi fieles a sus filmes: George Clooney, John Turturo o Jeff Bridges son prácticamente fijos en sus películas y ello nos hace cuestionarnos el por qué: sencillamente, los hermanos Coen escriben de forma clara, sin trabas ni diálogos enrevesados; escriben el guión con varias ideas a la vez, a máquina y en voz alta: su compenetración y entendimiento así como su complementariedad hace que el trabajo actoral salga prácticamente solo. Además, su fama les precede y es un aval de éxito el trabajar con los cineastas. Según muchos de los actores que han trabajado con ellos, lo que más destacarían es que prácticamente no hablan durante los rodajes, pues todo está claramente explicado en las reuniones previas: se ha dispuesto de un guión tan sumamente claro que pocos apuntes caben hacer.

Otra de las ventajas del cine Coen es que sus historias hablan de lo que conocen, de su vida. Son personas introvertidas, que compartieron una infancia llena de traumas, inseguridades, buenas y malas experiencias como todo el mundo y que ha repercutido en su peculiar forma de ver la vida, también ha hecho que se complementen de forma excepcional dando como resultado obras con diálogos muy bien elaborados y de una calidad ineludible. Constantes como viejas referencias a personajes de la cultura americana, escenificar el lugar en el que nacieron y esa calidez que se transmite en todas y cada una de las películas les hace únicos.

Su polivalencia como guionistas, productores y directores les hacen unos profesionales muy completos que consecuentemente hace las delicias del equipo técnico y artístico, pues trabajan con la seguridad de que todo está bajo control a nivel de discurso narrativo: la historia está clara. Sin duda un ejemplo de cómo crear estilo sin pretenderlo, de cómo crearlo escribiendo como les dicen a los escritores noveles ‘sobre lo que conocen’. Un ejemplo de lo infravalorada que puede llegar a estar la labor de guionista y de la pieza en sí, pues en el caso de los Coen es su sello de identidad y una de las cosas por las que han llegado a donde están. 

Es el Coen Style.

Filmografía: las más recomendadas.

• Sangre fácil (su primer film)
• Fargo
• El gran Lebowski
• Arizona Baby
• Muerte entre las flores